Sobre el XIV encuentro de fotografía en Monterrey

Los pasados días 10,11 y 12 de noviembre se realizó en la Fototeca de Monterrey el XIV Encuentro de fotografía, organizado por Conarte, La Fototeca y el gremio de fotógrafos del estado de Nuevo León. Este año el encuentro giró en torno a los “Procesos”, donde se pretendía “hacer repaso a los procesos fotográficos a cargo de profesionales de la imagen”. En función de esta premisa me he permitido realizar una especie de crónica, necesaria para el registro, comentada e interpretada resaltando algunos aspectos de estas tres jornadas donde escuchamos a fotógrafos, artistas plásticos e investigadores de la fotografía.

I

El encuentro abrió con la conferencia magistral del Doctor en Historia del Arte José Antonio Rodríguez, quien nos presentó un panorama crítico sobre como se han llevado a cabo desde mediados del siglo XX exposiciones importantes que recogen la producción fotográfica contemporánea mexicana pero que no han llegado, en su mayoría, a México y se han limitado a ser expuestas en Estados Unidos, China o Europa y cuyo registro histórico se celebra apenas en pocos catálogos que llegaron al país. En ese recorrido el Profesor de la Unam, también nos invitó en varias ocasiones a revisar en el diccionario los conceptos que manejamos a diario sobre fotografía, el que más impactó en el púbico fue su aseveración que el proceso de la fotografía digital también es análogo, por lo que “es incorrecto hacer una distinción entre análogo y digital” en el campo de la fotografía. Estas ideas quedaron en el aire del Encuentro y seguramente darán para estudiar y pensar en profundo en otros análisis.

Seguidamente Ana Carolina Camarena presentó una mesa de diálogo rica y diversa en sus procesos de desarrollo de proyectos con los artistas Eduardo Muñoz, Nirvana Paz y Paola Dávila.

Eduardo, cubano residenciado en Estados Unidos, presentó una serie de trabajos con una carga emocional intensa. Reveló dos premisas importantes en su trabajo: la referencialidad o el estudio profundo de autores que influencian directamente su obra, y la fotografía como rescate de la memoria. En su proyecto Restless, Eduardo construye imágenes superpuestas y proyectadas. Recrea una puesta en escena con proyecciones de fotografías propias, objetos y archivos familiares donde aparece su abuelo, quien  fuera desaparecido de todos los archivos y registros de Cuba por ser considerado traidor por la Revolución Cubana, creando una suerte de collage visual lleno de simbolismos en lo emocional, lo político y lo fotográfico.

Nirvana Paz trabaja la técnica de la cianotipia como herramienta y lenguaje al mismo tiempo,  nos hizo un recorrido desde sus primeras obras hasta sus últimos trabajos, donde pudimos apreciar como la artista crea en su desarrollo de obra una narrativa que inevitablemente empieza en la experimentación y se va consolidando con el trabajo constante y la investigación en un lenguaje propio, identitario y sólido. Nirvana asume el “silencio” como discurso, como herramienta espiritual y tácita que guía sus obras.

Paola Dávila, por otro lado, en su proceso nos revela como la persistencia y el estudio son necesarios para llevar a buen puerto un proyecto fotográfico, ejemplificado esto en su proyecto Schrebergarten que confronta el fascismo, la violencia y la rigidez de los sistemas educativos del Dr. Schreber con los paisajes de belleza hiper controlada de los jardines que llevan su nombre en Alemania. En el proceso de desarrollo de este cuerpo de trabajo la documentación fotográfica fue insuficiente y necesitó complementar su idea con un estudio profundo del tema y la utilización de gráfica y fotografía performática construida.

II

La fotografía de Laura Cohen nos remitió a la escultura clásica y renacentista, no sólo por la perfección de sus formas sino por el conocimiento máximo de una técnica que supera lo fotográfico y se adentra en la creación de monumentos y objetos que la fotografía reinterpreta. Laura nos hizo un recorrido detallado de su trayectoria y nos delató, aunque un poco renegada, sus procesos, conocimientos, técnicas y tiempos de reflexión y realización, para producir en este caso obras con un carácter único e irrepetible, como el de una piedra que ya ha sido tallada.

La mesa de diálogo de esta segunda jornada abrió con una reflexión del Artista Claudio Perna (Milán, Italia, 1938 – Holguín, Cuba, 1997) “La Atención debe centrarse más en las relaciones que en el lenguaje puro” . Bajo este pensamiento el Moderador Marcel del Castillo, abrió la conversación donde los autores Daniel Alcalá, Cecilia Hurtado y Alejandro Malo, presentaron sus trabajos que representan distintos momentos de la fotografía. En el caso de Daniel, la fotografía como proceso dentro de las artes plásticas, en Cecilia la fotografía desde la fotografía y en Alejandro Malo, la fotografía y su difusión.

Daniel nos presentó un extenso trabajo donde reinterpreta el paisaje construido y lo descontextualiza para realizar lecturas con un acento en la transformación de los espacios por el hombre. En sus proyectos la fotografía funciona como proceso al mutar a otras expresiones plásticas como el dibujo, la pintura o el grabado en la obra final.

Cecilia Hurtado aborda el tema de la violencia y la memoria con la fotografía pero trastocando los significados sensitivos y temporales del medio. Al mostrarnos sus reciente exposición “Las sombras del fantasma” la artista nos habla de un trabajo extenso, de años, donde no sólo recaba archivos fotográficos institucionales sino colecciones privadas para reinterpretarlas y volverlas su propio discurso, valiéndose también de intervenciones gráficas, videos e instalaciones. Cecilia nos transmitió una pasión e intensidad sobre sus proceso de trabajo y los temas que investiga, facultad, creo, imperativa en la creación artística.

El día cerró con la presentación de Alejandro Malo, quién desde su posición como director del portal web de fotografía Zonezero nos relató las características y posibilidades que presenta este medio para la difusión de trabajos fotográficos, tales como la amplitud de públicos y geografías para la difusión de proyectos y versatilidad en la incorporación de videos y sonidos.  Planteó una reflexión sobre los tiempos de “convergencia” que vive la fotografía y acompañó sus ideas con la presentación de los trabajos Paisajes Vigilados de Marcus DeSieno (USA) y País de las maravillas de Yang Yongliang (China).

III

En la última jornada, se presentó la Mesa moderada por Catalina Restrepo y la presencia de Miguel Fernández y Bruno Bresani. Ellos significaron sus formas de afrontar el discurso de maneras muy sólidas y donde la investigación juega un papel primordial. Por un lado Miguel nos presenta una ruptura en la forma de encarar un proyecto, sacando de ciertos límites impuestos por la fotografía o por los mismos autores, al eliminar el concepto de serie o proyecto, y establecer más bien el de “Flujo de trabajo” que va construyéndose y mutando mediante el avance y profundización de su investigación. Cada fase de su estudio arroja palabras, como erosión, brecha que el autor toma y se apropia de sus significados para darle cuerpo crítico a sus imágenes que hablan de una frontera (México-USA), la del estado de Sonora, donde vive y trabaja,  como un territorio que vive una paz tensa, desértica gracias a una “simbiosis corrupta” y estructurada entre crimen y estado.

Bruno Bresani presentó tres proyectos “Loreto”, “Los hijos que nunca tuve” y “25 mil”, dejando en la sala un sentimiento opaco donde la muerte, el blanco y negro y la desaparición se desvelan en tres capas de la fotografía: lo simbólico, lo formal y lo real.  En “Loreto” Bresani toma la muerte como símbolo para hablar de la decadencia y desaparición de un barrio en la Ciudad de México sentenciado a muerte por la quiebra de la industria que daba trabajo a sus residentes y la compra desmesurada de estos espacios en quiebra del capital privado para levantar nuevos centros comerciales. Un pájaro negro muerto será el hilo conductor de los retratos de habitantes del Barrio Tizapán, en un trabajo que asume con fotografía e instalaciones donde cada elemento utilizado aporta valores narrativos.  En “Los hijos que nunca tuve” recurre al acto formal de intervenir abruptamente los archivos fotográficos familiares, perdiéndoles el respeto como objeto, para cuestionar la paternidad no realizada. Y en “25 mil” toma una cifra que forma parte de la realidad de un país (México) para poetizar sobre la desaparición, la muerte, el olvido y la memoria en una serie de acciones performáticas, como el dispararle a la constitución o construyendo un castillo de luces de bengala con la palabra Desaparecidos.

El XIV Encuentro de fotografía concluyó con Irving Domínguez, curador y crítico de arte. Con él se cerró este paréntesis de investigadores de la fotografía que abrió también desde la mirada del arte José Antonio Rodríguez.  Irving profundizó sobre los procesos de dos exposiciones que él curó en 2015 y 2016, “Las apariencias engañan” colectiva de artistas mexicanos en el Museo del Chopo y “Miserere” de Andrés Felipe Orjuela en Bogotá.  En ambas muestras Irving subraya la experiencia de vida de los autores y el proceso de documentación e investigación como elementos fundamentales en sus procesos de trabajo. La multidisciplinariedad como instrumento y el abrazo sincero de las obras con los espacios expositivos producto de un diálogo artista-curador-museógrafo  como puente para generar espacios de reflexión y comunicación con los espectadores.

Estas experiencias y formas de abordar los procesos creativos y técnicos que los autores y especialistas nos regalaron durante tres jornadas, acumularon al final de los días interesantes aspectos de la fotografía y post-fotografía que como autores, estudiantes o investigadores nos marcan puntos de partida para estudiar, experimentar o simplemente asumirlos como un conocimiento muy cercano de los procesos artísticos ajenos. El público se mostró receptivo y concurrente, algo importante para este tipo de eventos

Antes de concluir me gustaría añadir que sentí la ausencia de la fotografía local en el panel de artistas invitados, salvo la exhibición de Iván Manríquez, exposición que celebro,  no sólo por el acento local sino por situarse en un espacio alternativo a los círculos de la cultura del estado. También, hubiera sido una oportunidad de oro incorporar a las charlas la importante exhibición del PFC 2015, una muestra relevante de lo que se produce en Nuevo León, que estaba a pocos metros del auditorio. Sin embargo, nos vamos con un muy buen sabor de lo que se vivieron estos tres días y agradecidos con los organizadores que siguen manteniendo este espacio para la reflexión y el diálogo entorno a lo fotográfico