Imágenes emergentes, Lo que nos pertenece. Curaduría de Marcel del Castillo, Fototeca de Nuevo León, Conarte

IMÁGENES EMERGENTES Lo que nos pertenece

*Curaduría comisionada por el Centro de las Artes, Fototeca de NUevo León y el Consejo para la cultura y las Artes de Nuevo León. CONARTE

 

"la desnudez es siempre desnudamiento y puesta al desnudo, nunca forma y posesión estable" (Agamben, Giorgio).

La producción fotográfica contemporánea es un ejercicio insistente de cuestionamientos que se pliegan sobre sí mismos con rutas de abordaje sobre temas que emergen de nuestro tejido social. Es un entramado complejo con una pregunta incesante, ¿qué de la fotografía nos pertenece?

La hiperproducción de imágenes, su despliegue como lenguaje cotidiano, sus aventuras desde el poder (político, económico y cultural), su abducción por el mercado, su incapacidad de decir una verdad y la infinitud de su ficción, nos lleva a la idea de que la fotografía como reacción a un estatuto reglamentario, instrucciones tecnológicas, tendencias estéticas, incluso ideológicas, no nos pertenece, se nos desvanece en nuestras intenciones.

Imágenes emergentes, Lo que nos pertenece. Curaduría de Marcel del Castillo, Fototeca de Nuevo León, Conarte
Imágenes emergentes, Lo que nos pertenece. Curaduría de Marcel del Castillo, Fototeca de Nuevo León, Conarte

Una posible ruta para detectar qué es lo que nos pertenece de una foto, como autores y receptores, sería traspasar su poderosa estructura superficial, que la categoriza y la empaqueta, y apelar a su desnudamiento, para adentrarnos en un territorio de significantes inestables que se nos presentan de maneras extrañas: dudas, errores, abstracciones simbólicas (por cierto, valores penalizados por el capitalismo cultural) y cuya información ha mutado a material sensible.  Lo otro, sería una fotografía inerte, un residuo inorgánico.

Imágenes emergentes, Lo que nos pertenece. Curaduría de Marcel del Castillo, Fototeca de Nuevo León, Conarte
Imágenes emergentes, Lo que nos pertenece. Curaduría de Marcel del Castillo, Fototeca de Nuevo León, Conarte

Dentro de estas posibilidades líquidas que construyen una fotografía es donde entra esta selección de imágenes que se presentan en esta exposición. Cuyo eje narrativo, el cuerpo, ha emergido de los autores, en una especie de ejercicio plural de sentidos, y estos se han expandido mediante la práctica del diálogo interno entre las imágenes y el desprendimiento de los creadores para construir un discurso coral que interpela al cuerpo y lo pone al desnudo como lo propone Agamben(2011) "nunca forma y posesión estable"(p.94). Sino desde los estados de enunciación, contingencias, oscilaciones, acontecimientos, desplazamientos y sus devenires. Una ruta amplia desde el cuerpo como recipiente hasta el cuerpo intangible transfigurado en trabajo y ciudad que nos devuelve una pregunta ¿qué del cuerpo nos pertenece?

Sala 1: ENUNCIACIÓN   

Sala 2: OSCILACIONES 

Sala 3: CONTINGENCIAS  

Sala 4: ACONTECIMIENTO

Sala 5: DESPLAZAMIENTO  

Sala 6: DEVENIR 


¿Quien le teme a la mujer Gorila? de Yolanda Leal, Curaduría de Marcel del Castillo, Museo Muniva en Tlaxcala

¿Quién teme a la Mujer Gorila? de Yolanda leal

En un tiempo estandarizado por las normas del consumo y la moral capitalista,  las reglas del vestir,  hablar, pensar y sentir son materias que las mujeres deben aprender, desde muy temprano, sin cuestionar. La educación familiar, religiosa, escolar y mediática apuntan a un modelo de mujer sometido a la voluntad y deseos del hombre.  Estas estructuras reglamentadas conforman lo que se conoce como el género, es decir, el conjunto de normas, roles y expectativas que se asignan a cada sexo.

Sin embargo, como sabemos, el género no es algo natural, fijo e inmutable, sino una construcción social, histórica y cultural, y como tal, puede ser cuestionada, transformada y subvertida. Así lo plantea la filósofa Judith Butler, que propone el concepto de performatividad de género. Según Butler, el género no es una esencia o una identidad, sino una actuación, una repetición de gestos, palabras y acciones que se basan en un guión previo, pero que también pueden ser modificados, parodiados o invertidos. El género, entonces, no es algo que se tiene, sino algo que se hace.

En su proyecto Gorilla Nature, Yolanda Leal explora una ruta alterna a las posibilidades de género, mediante la confrontación, la ironía y el gesto subversivo y lúdico. Se apropia de roles de la masculinidad activando situaciones que transgreden la norma en el espacio y en las relaciones interpersonales. 

Disfrazada de Gorilla, Leal construye deliberadamente, al modo situacionista, un espacio cotidiano incómodo y agitado, que rompe el escenario normado, para abrir la posibilidad de repensar los estereotipos de género que se asocian a las mujeres, como la delicadeza; la belleza; la sumisión o la maternidad, frente a una imagen y gesto de fuerza, agresividad, rebeldía y sexualidad representado en el Gorila…la mujer Gorila.

Marcel del Castillo. Curador

¿Quien le teme a la mujer Gorila? de Yolanda Leal, Curaduría de Marcel del Castillo, Museo Muniva en Tlaxcala
¿Quien le teme a la mujer Gorila? de Yolanda Leal, Curaduría de Marcel del Castillo, Museo Muniva en Tlaxcalaría
¿Quien le teme a la mujer Gorila? de Yolanda Leal, Curaduría de Marcel del Castillo, Museo Muniva en Tlaxcala
¿Quien le teme a la mujer Gorila? de Yolanda Leal, Curaduría de Marcel del Castillo, Museo Muniva en Tlaxcala
¿Quien le teme a la mujer Gorila? de Yolanda Leal, Curaduría de Marcel del Castillo, Museo Muniva en Tlaxcala
¿Quien le teme a la mujer Gorila? de Yolanda Leal, Curaduría de Marcel del Castillo, Museo Muniva en Tlaxcala
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¿Quien le teme a la mujer Gorila? de Yolanda Leal, Curaduría de Marcel del Castillo, Museo Muniva en Tlaxcala
¿Quien le teme a la mujer Gorila? de Yolanda Leal, Curaduría de Marcel del Castillo, Museo Muniva en Tlaxcala
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Desarrollo de proyectos de arte, Marcel del Castillo, Podcast pensar la imagen

El Arte de Tropezar: Educación en el arte

El arte es el camino de rutas incorrectas. Sus procesos son inciertos y sus materialidades, a veces, extrañas.  Por lo tanto, el error es una de las herramientas o valores que más nos pueden aportar a la hora de desarrollar nuestros proyectos. Sin embargo, tenemos un miedo profundo al error, y eso hace que no lo aceptemos como lo que es, un gran conocimiento.

La mayoria de las instituciones del conocimiento, como talleres, diplomados o escuelas de arte, saben de ese miedo, saben que quienes desean aprender quieren hacerlo evitando el error y el largo camino del aprendizaje para poder crear y producir proyectos impactantes y populares en el menor tiempo posible. Hoy día hay una variante considerable entre espacios educativos del arte: unos buscan potenciar las posibilidades artísticas de cada individuo; y otros que ofrecen fórmulas o metodologías precisas para lograr resultados comprobables.

Bloqueo creativo y educativo

Si partimos de esta premisa, entonces, cuando hablamos de bloqueo creativo, estaríamos hablando más bien de un miedo a lo desconocido y al error.  Un seminario, un taller de desarrollo de proyectos artísticos debería estar enfocado en este problema, es decir, en como afrontar como individuo ese miedo al error y a experimentar profundo con lo extraño. Pareciera que la educación formal estimula más bien lo contrario: el miedo al error.  Y lo hacen estructurando su plan educativo en el estudio del pasado perfecto, es decir, en el estudio de referentes idealizados a los cuales hay que seguir.

En mi experiencia como docente, mi trabajo en los últimos años se ha dedicado no tanto a diseñar rutas para crear, sino a desmontar estructuras de creación que nos han sido impuestas desde la educación básica. Un desmontaje que ha resultado un territorio nutrido de posibilidades y experiencias, es decir, no es un desmontaje de confrontación para cambiar una cosa por otra, sino una desestructuración que, partiendo de sus mismos escombros nos permite armar, según los intereses e intenciones de cada quien, rutas creativas, procesos reflexivos y materialidades artísticas.

El primer miedo por superar aquí sería cuestionar las bases de la historia del arte.

Pedagogía en las artes

De todo esto es que considero que proponer pedagogías en el arte es en sí mismo un proyecto artístico. Pues se inicia con la problematización de los programas existentes, sus alcances, sus procesos, y sus consecuencias. Por ejemplo: Si se propone desde una estructura extríctamente académica, las consecuencias serán artistas disciplinados y estandarizados.  Si se proponen desde el uso de técnicas específicas, tendremos magnificos replicadores, registradores y hacedores de materialidades sin potencia. Si se propone una escuela única de pensamiento, entonces tendremos sacos de conceptos inasibles e insensibles.

Nos es fácil, por lo tanto, encarar un programa de creación. Cuando he trabajado para instituciones públicas y privadas elaborando planes educativos completos y de cátedras específicas , brota inmediatamente la resistencia, no sólo en las instituciones, que es evidente por temas de poder y burocracia, sino lo sospechoso es que hay un grupo de creadores que les incomoda que la educación no sea un listado de fórmulas que hay que resolver, les molesta que no se genere un cuadro de honor que premie a los mejores resolviendo estas fórmulas y protestan para que las insituciones exhiban sus obras como trofeo.

La educación en las artes es más complejo que eso. De ahí que la ubico más como un proyecto artístico híbrido de intercambio. Y un proyecto de estas características busca diversidad, experimenta con las ideas, juega con los materiales y entrecruza conocimientos. De ahí que lo más cercano podría ser un programa educativo que se vaya retroalimentando y modificando en su desarrollo y esto requiere escucha entre maestro y alumnos. Que no es la imposición sino el intercambio de conocimiento y experiencias, que el programa es tan sólo un punto de partida flexible y atento. Es decir, un camino minado de errores, de incomodidades y extrañezas que requieren coraje y compañía para seguir adelante.

 


True detectives: NIght country, podcast pensar la imagen, Liz Danvers, Evangelina Navarro

True detective Night Country: Cuando se enfrenta la razón y lo sensible

¿Podríamos inscribir a True Detective: Night Country en el arte contemporáneo? La serie, creada por Issa López y producida por HBO, se ambienta en el frío y oscuro entorno de Ennis, Alaska, donde ocho hombres desaparecen misteriosamente de una estación de investigación ártica.

Como toda serie aparenta contarnos una historia muy bien estructurada para asegurar nuestra atención. Sin embargo, cruza esa turbia frontera entre el simple entretenimiento y la producción simbólica. La historia criminal y el proceso policial son una extraordinaria herramienta para invitarnos a una revisión de la sociedad actual.

True detectives: NIght country, podcast pensar la imagen
True detectives: NIght country

El planteamiento central es un cuestionamiento a los grandes relatos de la modernidad, como la ciencia, la razón, el progreso y la verdad absoluta. Y los confronta desde la ambigüedad, lo inexplicable, el pensamiento mágico y el conocimiento vernáculo de una sociedad a la que ya no le interesa esa idea del progreso que se sostiene sobre la hiper racionalización y la explotación de los recursos humanos y naturales.

A veces Aliens, a veces 2001 odisea del espacio, otras veces el True detective de Luisiana o hasta los viajes fumados de Corazón Salvaje de Lynch, la historia se sacude eclécticamente entre lo místico, el suspenso, el drama existencial y la siempre compleja tensión interpersonal de los grupos sociales, así como la constante de nuestro tiempo: la lucha por salvar los recursos que las grandes corporaciones se esfuerzan en extraer y desaparecer.

True detectives: NIght country, podcast pensar la imagen, Rose Aguineau
True detectives: NIght country, Rose Aguineau

Pero tras toda esta serie eventos y fenómenos la serie explora realmente las tensiones entre la razón y lo sensible de nuestro tiempo, pone sobre la mesa dos formas de aproximarse al mundo y a la verdad y que se personifican en las dos protagonistas: Liz Danvers (Jodie Foster) y Evangeline Navarro (Kali Reis). Danvers es una detective racional, nihilista, herida y metódica, cuya aproximación al mundo es a partir de preguntas correctas, de lógica y certeza, y Navarro, más cercana a las tradiciones vernáculas, es una oficial intuitiva, emocional y espiritual, su guía responde a lo sensible que está conectado a la naturaleza, a la memoria y su identidad etnográfica.

Pero este enfrentamiento también aparece en personajes clave que acentúan estas posturas. Son seres que se debaten en una sensibilidad a veces desbordada y una racionalidad escurridiza, como el caso de Hank Prior que parece haberlo perdido todo, pero que conserva, en su tardía adultez, la ilusión del amor; o de Rose Aguineau quien se apartó de todo para entregarse al olvido, no solo de su mundo sino de ella misma; o Julia, la hermana menor de la detective Navarro, quien en su compleja patología mental evoca esa lucha interna de lo irracional frente a un mundo que lo racionaliza todo; O el caso de Peter Prior, hijo de Hank, que también busca racionalizar ese terremoto emocional que lleva por dentro y que finalmente explota violentamente.

True detectives: NIght country, podcast pensar la imagen, Peter Prior
True detectives: NIght country, Peter Prior

Y en ese complejo contexto se revela la fragilidad de la verdad en nuestro tiempo en una crítica hacia los medios de comunicación, la tecnología y la globalización en la construcción de la realidad.

Al final, esta suerte de manifiesto cultural del mundo contemporáneo termina interpelando al espectador. Nos invita a reflexionar sobre nuestra propia forma de ver el mundo, de buscar la verdad y de enfrentar nuestros miedos. A modo de arte contemporáneo la serie funciona como herramienta de resignificación del conocimiento, o los conocimientos, como un espacio de lucha y que requieren dialogar. También deja claro la tensa relación entre razón y sensibilidad y como se manifiesta en nuestra cotidianidad. Es una serie que rompe con los convencionalismos de las series policíacas, porque moviliza la funcionalidad de la historia. Ya el  crimen y la  investigación, no son el fin sino el medio de activación de sentido y reflexión.


Chantal Peñalosa, podcast pensar la imagen, arte contemporáneo

Cinco artistas de Tijuana

¿Cómo acercarnos a los artistas de las ciudades o localidades que no conocemos? Dentro de la realidad algorítmica existe esa posibilidad. Siempre quedará la duda qué tan distorsionado o real son sus datos, pero a partir de ahora haré este ejercicio periódicamente para ver que información aporta la Inteligencia artificial sobre los artistas destacados de las ciudades. es decir, un ejercicio curioso de información que evidentemente requiere otro acercamiento más profundo

Hoy comienzo por Tijuana. Ciudad fronteriza que se ha convertido en un referente del arte contemporáneo en México por su diversidad cultural, su dinamismo social y su conflictiva cercanía a Estados unidos. Aquí van los 5 artístas que nos propone la IA.

  • Chantal Peñalosa, podcast pensar la imagen, arte contemporáneo
    Unfinished Business Garage I/V, 2019
    Objetos de cerámica, estante metálico, objetos de bodega
    220 x 425 x 46 cm

     

    Chantal Peñalosa : Esta artista visual fue reconocida por la revista neoyorquina PRIME como una de los 107 artistas globales de 2022. Su obra se basa en la exploración de los procesos cotidianos, la memoria y el tiempo, mediante instalaciones, fotografías, videos y performances. Ha expuesto en diversos países como Estados Unidos, España, Alemania y Corea del Sur.

     

    Alonso Delgadillo, Podcast pensar la imagen, Arte contemporáneo
    Alonso Delgadillo

     

    Alonso Delgadillo: Conocido como El Norteño, este artista urbano se ha dedicado a intervenir cientos de paredes en Tijuana con sus murales. Su obra parte de las historias que le cuentan los vecinos y personajes de la ciudad, así como en la cultura, la lucha de clases y la situación actual de México. Es licenciado y maestro en Diseño Gráfico, y también imparte talleres y cursos de arte urbano social.

 

  • Liz Rashell, Podcast pensar la imagen, arte contemporáneo
    Liz Rashell

     

    Liz Rashell: Esta artista plástica y curadora es la creadora del World Art Destinations (WAD), un proyecto que busca impulsar el desarrollo de la industria del arte. Su obra abstracta se caracteriza por el uso del color y la iluminación, y la influencia de la historia y la cultura mexicana. Ha participado en más de 40 exposiciones colectivas e individuales en México y el extranjero.

 

  • Guillermo Arreola, Podcast pensar la imagen, arte contemporáneo
    Teoría, 2023, Guillermo Arreola, Acrílico sobre papel en MDF

     

    Guillermo Arreola: Este escritor y pintor es considerado uno de los artistas más prominentes del México actual. Su obra fluctúa entre el abstraccionismo y el neofigurativismo, y es una oda a lo visceral y emotivo. Ha publicado varios libros de poesía, cuento y novela, y ha expuesto su pintura en diversas galerías y museos.

 

  • Mely Barragán, Podcast pensar la imagen, arte contemporáneo
    Mely Barragán, Shallow Water Emerges Til Dawn (2023)

     

    Mely Barragán, una artista visual que explora temas como la identidad, el género y la cultura popular, mediante el uso de materiales reciclados, objetos cotidianos y textiles Su obra se ha exhibido en México, Estados Unidos, China y Europa, y forma parte de colecciones públicas y privadas. Junto con su esposo, el artista Daniel Ruanova, fundó el proyecto TJ in China, que busca promover el arte de Tijuana en el mundo.

¿Qué otros artistas tijuanenses agregarías a esta lista? Déjanos tu comentario y ayudemos a la IA a complementar la lista.


Libro Ría, Lihie Talmor, Ruti Talmor, Podcast Pensar la imagen, Marcel del Castillo

Ría de Lihie y Ruti Talmor. Cuando la memoria pinta un paisaje

Escribe el pensador aleman Gottfried Boehm “...los mapas tratan del mundo bajo nuestros pies, mientras que la pintura de paisaje, por el contrario, trata del mundo erigido frente a nosotros” (Boehm. 2017) bajo esta perspectiva, que es la perspectiva del horizonte, ese que es percibido pero nunca alcanzado y que está en línea con nuestra mirada, nos acercaremos al libro Ría, esa pintura en fotograbado de las huellas de Elvis Presley, realizado por Lihie y Ruti Talmor.

Libro Ría, Lihie Talmor, Ruti Talmor, Podcast Pensar la imagen, Marcel del Castillo
Libro Ría de Lihie Talmor, y Ruti Talmor.

A Elvis se le conoce en casi todo el mundo como "el rey del rock and roll" que brilló entre los años 50 y 70 del siglo XX. Sin embargo, su gestualidad, personalidad y los temas abordados en su música lo convirtieron en un ícono cultural de profundo arraigo en la población norteamericana. El deslumbramiento de una carrera musical explosiva dejó pocos cabos sueltos sobre la vida y obra de este artista, sin embargo, Lihie y Ruti decidieron pintar un nuevo paisaje, utilizando la memoria visual y testimonial como instrumentos compositivos y sensibles. De ahí que este libro titulado Ría, no es un acoplamiento de textos e imágenes, o un conjunto de información documental, sino un paisaje de la memoria, que nos proyecta un horizonte vivo pero ya inalcanzable de las primeras experiencias de vida del único hijo de la familia Presley. Es un horizonte que traza la vida temprana y las huellas marcadas de la vida de Elvis, no como escenografías armadas y estilizadas como lo hacen grandes medios, sino como espacios vividos y habitables que nos contienen y pertenecen.

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Libro Ría de Lihie Talmor, y Ruti Talmor.

A treinta y seis años de su muerte física, en 2013, el arte latente de Lihie y la curiosidad antropológica de Ruti fueron en la búsqueda de sus huellas en las precarias tierras del sur de Estados Unidos, buscando pistas en la temprana vida de Elvis. En su viaje a la cuenca del bajo río Mississippi, en los estados de Alabama, Tennessee y Mississippi, fueron recolectando evidencias y tejiendo una red de testimonios y lugares que les revelaban distintos niveles de conexión con este ícono cultural, desde compañeros de experiencias, lugares de tránsito y vivencias, conocidos hasta relaciones mitológicas.

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Libro Ría de Lihie Talmor, y Ruti Talmor.

Ría, entonces, es el compendio de todo este material que Lihie ha traducido mediante el fotograbado, en donde tiene una ámplia experiencia y desde dónde ha sabido crear lo que yo llamaría, imágenes potencia, es decir, una imagen con la capacidad de replicarse en nosotros los espectadores de múltiples y variadas formas y sentidos. Que junto a los testimonios recogidos por Ruti Talmor, conforma un paisaje pintado de uno de los momentos y personajes más influyentes de la cultura americana, permitiéndonos a nosotros, espectadores y lectores, participar de una experiencia sensible de la memoria, que no va en la búsqueda de datos y cifras, sino en las diversas sensibilidades que nos atraviesan como sociedad cuando un fenómeno explota desde sus entrañas.

 

 

 

 

 


XX bienal de fotografía de México, Podcast pensar la imagen, Marcel del Castillo, arte contemporáneo, fotografía mexicana

La bienal y el engaño de las formas

Si algo deja claro la vigésima bienal de fotografía que organiza el Centro de la imagen de México es que no tejieron a lo profundo.  Se encandilaron con las maniobras técnicas y se abstuvieron frente a los yoes contenidos. Solo el leer el primer párrafo de presentación de esta exposición es una confesión en este sentido. Esta edición resulta una suerte de catálogo de ejercicios fotográficos redundantes y expresiones narcisistas (¿Hay alguna que no lo sea?) que evitan contextualizar, algunos lo intentan como justificación conceptual, pero con sus materializaciones cercanas a la repetición de cánones extractivistas y estéticos del XX, con tecnologías que van del xix al xxi, se diluyeron en las intenciones.

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XX bienal de fotografía de México, Centro de la Imagen en México

¿Dónde están los riesgos? ¿la incertidumbre? ¿las ideas maduradas?¿Los complejos contextos? Con sus valiosas excepciones la bienal luce como un paisaje de autores acomodados a tendencias estéticas pop y tecnológicas incuestionables. Un horizonte de temas aún sin profundidad y de proyectos en plena germinación.

Desbordes

Frente a ese dócil desierto aparecen algunos proyectos que intentan poner sobre la mesa temas de nuestro tiempo, y lo hacen confrontando y generando fricciones sensibles.

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XX bienal de fotografía de México, Contra el olvido, las nombramos de Anaí Tirado Miranda

El trabajo Contra el olvido, las nombramos de Anaí Tirado Miranda juega con el texto que procura imagen y con la imagen que se devuelve al texto en un ir y venir de posibilidades imaginativas del espectador frente a una coyuntura política de nuestro tiempo. Este obituario mural surge como manifiesto contra un tiempo infame, convulso y criminal para la cotidianidad de la mujer en México.

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XX bienal de fotografía de México, Anatómica de Carol Espíndola

En esa línea aparece la autopsia del cuerpo femenino que propone Carol Espíndola con su trabajo Anatómica.  La obra es la evidencia sensible de un cuerpo político o de cómo el cuerpo se constituye en política, especialmente desde lo femenino, para cuestionar enunciados científicos y biológicos que se han convertido en dogmas que trascienden a lo cultural y determinan lo femenino en lo social, lo económico y lo político.

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XX bienal de fotografía de México, Sendero del fuego de Rodrigo Hernández

Al otro costado del cuerpo social aparece retador Rodrígo Hernández, quien nos pregunta ¿Es lo mismo el Huachicolero que el narco? En un país cruzado por la cultura del tráfico de drogas, no es cualquier pregunta. Esta hipérbole es un llamado de atención a un problema que tiene también raíces profundas en la economía subterránea de México como lo es la extracción clandestina y contrabando de gasolina. Y lo hace también a partir de un homenaje inconcluso, de un intento de monumento a ese México contradictorio.

Estos trabajos, junto algunos otros, nacen de un yo pronunciado pero que se desborda, atándolo a un contexto complejo como lo es el presente mexicano y que le da sentido y potencia en la mirada del espectador, pues su manifestación material y estética está íntimamente ligada a sus ideas y pulsiones.

Los yoes contenidos y las piruetas técnicas

A modo de explicarme mejor sobre como el conjunto de proyectos aún están contenidos , atrapados en sus yoes y en piruetas técnicas que aún están en germinación, elaboro un cadáver exquisito a partir de los postulados de los artistas seleccionados en la bienal y que acompañan sus fichas técnicas.

 

Desde mi lugar de origen

aproveché el poderoso medio del retrato

mi intención es crear objetos

 

Mis recuerdos asociados al agua

propuesta multisoporte

me abrió la posibilidad de conocer espacios únicos con una gran riqueza visual

me ha permitido sobrellevar la pérdida de mi empleo

 

Utilizo la fotografía para registrar y representar la experiencia del primer empleo que obtuve

este contenido es trasladado a las sales de plata del daguerrotipo

busco que mi trabajo contribuya a la memoria colectiva del lugar

aspirar a ser parte de la historia que se contará en el futuro

 

Para este proyecto me enfoqué 

el primer hombre del que me enamoré

generé un archivo de las que me parecen relevantes

para entenderlas principalmente como obras gráficas

 

Tuve un sueño en el que platicaba con mi bisabuela

la selección manifiesta mi duelo

con este proyecto contrasto mi relación, imaginario e historia 

me aparto de la documentación convencional

 

He observado lo que sucede

¿Quién soy yo?

Comentario aparte

La obra Exhumar la memor.IA de Rogelio Séptimo, quien obtuvo el premio mayor de esta bienal y que es un conjunto de retratos de una comunidad ancestral de Michoacán generados con software de inteligencia artificial, merece un comentario aparte, pues plantea un cuestionamiento al que la fotografía desde sus orígenes buscó escabullirse: ¿Qué tanto es visibilizar o invisibilizar el querer reconstruir en imágenes técnicas unos rostros del pasado?

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XX bienal de fotografía de México. Exhumar la memor.ia. Rogelio Séptimo

Dice Hito Steyerl, “Pensar que las cámaras son herramientas de representación supone en verdad un malentendido: son, en el presente, herramientas de desaparición“.( H. Steyerl. 2014) Y este proyecto pone en evidencia esta idea, pues la estetización y materialización digital hace aparecer un rostro que solo estaba en los recuerdos, en las memorias orales y experienciales de una comunidad, según explica el autor. El punto acá es que esta imagen pasa ahora a sustituir la misma memoria de esa comunidad, estos rostros estilizados, idealizados por un programa y por el conocimiento académico del autor, a modo del temprano siglo XX fotográfico, un perfecto August Sander, vienen a borrar los esfuerzos de la imaginación de toda una comunidad. Esos rostros latentes que ya eran imágenes, pero imágenes sensibles en los recuerdos, han desaparecido. Unas fotografías algorítmicas las han venido a sustituir y decirles cómo deben recordados.

Y esta consecuencia es justo lo contrario a lo que propone el autor en una ingenuidad discursiva, llevada nuevamente por la urgencia de decir algo, que no requería ser estructurado en un lenguaje, sino sentido en el trajín de la instintiva memoria que trabaja a cuatro manos entre realidad e imaginación.

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XX bienal de fotografía de México. Exhumar la memor.ia. Rogelio Séptimo

Se que es un territorio complejo y lleno de imposibilidades a la hora de materializar, pero la obra de Pedro Lasch, Espejo negro y Espectro ingígena, nos puede aportar algunas señas sobre las oportunidades de la representación en imagenes de los otros en conexión con nosotros, y en el trabajo de la imagen latente con la memoria.

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Laboratorio Arte Alameda, Espejo negro y espectro indígena de Pedro Lasch

Urge una política de la imagen técnica fotográfica y generada por Inteligencia artificial. No por lo evidente, que es discusión de su superficie; que si es una imagen técnica real o no. Ninguna lo es en una totalidad. El punto acá, insisto en lo sensible, es hasta dónde llegará esta vieja práctica de crear imágenes técnicas que sustituyan la imaginación, en vez de potenciarlas, que establezcan modos estandarizados de ver, que reglamenten visualmente la manera en que nos acercamos al pasado, que ejerzan jerarquías del conocimiento visual y que se impongan o busquen sustituir la imagen sensible e imaginada de las comunidades. 

Éste ha sido el summun de la fotografía, que, por cierto, aparece en otros trabajos de esta bienal. Y que ahora los autores que trabajan con imágenes generadas por IA pretenden continuar. Más aún cuando ya han entrado, gracias a la bienal y su premio, al escalafón legitimador de una visualidad que inevitablemente se impondrá sobre cómo se ve a la comunidad desde el exterior y cómo se verá la comunidad a sí misma.

El dispositivo institucional

Las luces de las nuevas y viejas tecnologías parecen haber encandilado al jurado de selección y premiación de la bienal vigésima de fotografía de México.

En la incandescencia de la mayoría de los proyectos luce como el encuentro de lo evidente con lo evidente. La novedad de las formas a modo de maniobra, sin un tejido sensible o ideológico consistente. Insisto, proyectos que aún falta madurar.

Me da la impresión que la bienal sirve más como dispositivo de proyección de esa idea romántica de que al mundo le interesan las obsesiones saborizadas con discursos pop de los artistas, como si de seres únicos e iluminados se tratase, en vez de constituirse en un aparato que ayude a identificar fracturas, invisibilidades y posibilidades críticas en una actualidad social y cultural densa y desafiante.

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XX bienal de fotografía de México, Centro de la Imagen en México

Poor things, Podcast pensar la imagen

¿Cómo aparece lo nuevo?: una reflexión a partir de la película Poor Things

Como seres sociales somos sometidos desde nuestra infancia a un conocimiento estructurado que se nos impone desde el preescolar hasta la universidad. De ahí que funciona como una regla común, un punto de partida donde todos adquirimos los mismos conocimientos, con sus variantes sociales, con una estructura específica, que permite que podamos comprender y explicar la realidad más o menos objetiva, sistemática y verificable, lo que facilita la resolución de problemas, la predicción de fenómenos y la innovación tecnológica. Basado en la razón y la evidencia es socialmente aceptado y más confiable y riguroso que otras formas de conocimiento basadas en la intuición, la fe, la tradición o la contradicción

Pero ese sistema de conocimiento también tiene sus riesgos y profundas limitaciones. Especialmente porque es una estructura rígida, dificil de ajustar o agitar debido a los sistemas de poder político y económico que lo sustentan, lo generan y lo imponen. El conocimiento estructurado al que hemos sido sometidos durante nuestro crecimiento intelectual y sensible nos limita ante las dimensiones de la realidad, la diversidad, la complejidad y la incertidumbre que caracterizan al mundo. Algunas de estas limitaciones y riesgos son:

  • Reduccionismo: Simplificar la realidad y omitir aspectos relevantes que no se ajustan a las categorías, modelos o paradigmas.
  • Dogmático: Asumir que sus principios y leyes son verdades absolutas e inmutables, y rechazar otras perspectivas o evidencias que los cuestionen o contradigan; como la imaginación, la creencia o el conocimiento sensible.
  • Instrumental: Utilizado para fines egoístas, lucrativos o destructivos, sin tener en cuenta las consecuencias éticas, sociales o ambientales de su aplicación.

Estas limitaciones y riesgos plantean un interrogante fundamental: ¿dónde el conocimiento estructurado limita la creatividad y la invención? Es decir, ¿cómo el conocimiento estructurado puede obstaculizar o reprimir la capacidad humana de imaginar, explorar y crear nuevas formas de entender y transformar la realidad?

Pobre conocimiento

Para intentar responder a esta pregunta, podemos recurrir al provocador film Poor Things, dirigido por Yorgos Lanthimos y basada en la novela homónima de Alasdair Gray. Esta película, estrenada en México en 2024, narra la historia de Bella Baxter (Emma Stone), una joven que es revivida por el científico Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe), quien le implanta el cerebro de su hija no nacida. La nueva criatura, con cuerpo de mujer adulta y cerebro de bebé, se muestra ansiosa por aprender y experimentar el mundo, y se escapa con Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), un abogado libertino, con quien vive una serie de aventuras eróticas, cómicas y trágicas.

La película Poor Things nos presenta una comparación y una confrontación entre el conocimiento estructurado y la libertad creativa, representadas por los personajes del Dr. Baxter, Bella y la sociedad de la época. Por un lado, el Dr. Baxter encarna el conocimiento estructurado llevado al extremo, es decir, el conocimiento que se basa en la ciencia, la técnica y la razón, pero que también se vuelve obsesivo, deshumanizado y peligroso. El Dr. Baxter es un genio que domina los secretos de la vida y la muerte, pero que también es un monstruo que viola las leyes de la naturaleza y de la ética, y que trata a sus criaturas como objetos de experimentación y manipulación. El Dr. Baxter sustenta su invención, a partir de imponer su visión y voluntad sobre la realidad, sin respetar su diversidad, su complejidad y su incertidumbre.

Junto con él, la sociedad juega ese papel de juzgar y controlar qué conocimiento es permitido y cuál ignorado, humillado o excluído. La sociedad es el marco de comprensión limitada que excluye lo que no cuadra, lo que no puede ser reducido a una función o una utilidad categorizada e instrumentalizada.

Poor things, Podcast pensar la imagen
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Por otro lado, Bella encarna la libertad de un vivir sin prejuicios y lleno de posibilidades, llevada al extremo, es decir, la libertad que se basa en la imaginación, la exploración y la creación, pero que también se vuelve ingenua, impulsiva y vulnerable. Bella es una niña que descubre el mundo con curiosidad y asombro, pero que también es una mujer que se enfrenta al mundo con rebeldía y desafío. Bella no da por sentado ningún concepto, y representa ese gesto de creatividad e invención cotidiana que desafían el conocimiento estructurado, porque cuestiona sus normas, sus valores y sus límites, y busca otras formas de sentir y de pensar la realidad, más allá de las establecidas y hegemónicas.

La película Poor Things nos muestra, a través de la relación entre el Dr. Baxter y Bella, y entre Bella y Duncan, las metáforas, los obstáculos y las posibilidades del conocimiento estructurado y la libertad creativa. Algunos ejemplos de estos elementos son:

  • La metáfora del cerebro, que simboliza la fuente y el destino del conocimiento y la creatividad. El Dr. Baxter transplanta el cerebro de su hija a Bella, lo que implica una transferencia de conocimiento y de identidad, pero también una violación de la integridad y la autonomía de ambos seres. Bella, por su parte, desarrolla su cerebro a partir de sus experiencias, lo que implica un aprendizaje y una transformación, pero también una confusión y una contradicción de sus sentimientos y pensamientos.
  • El obstáculo de la sociedad, que representa el contexto y el condicionamiento del conocimiento y la creatividad. El Dr. Baxter y Bella se enfrentan a la sociedad victoriana, que se caracteriza por su rigidez, su moralidad y su hipocresía, y que reprime y castiga cualquier forma de disidencia o transgresión. El Dr. Baxter y Bella son perseguidos, juzgados y condenados por sus actos, que desafían las normas y los valores de la época.
  • La posibilidad de la aventura, que expresa la dinámica y la diversidad del conocimiento y la creatividad. Bella y Duncan viven una serie de aventuras que los llevan a recorrer diferentes lugares, culturas y situaciones, que les permiten conocer y experimentar el mundo de forma variada y enriquecedora. Bella y Duncan se divierten, se emocionan y se sorprenden con sus vivencias, que los hacen crecer y cambiar como personas.

Confrontación

La película Poor Things nos ubica en esa confrontación diaria que todos vivimos entre lo establecido, las posibilidades de todo, y sobre la tensa relación entre ambos. Nos muestra que el conocimiento cuando es único y absoluto es peligroso y esclavizante. Y que el abrirnos a otros tipos de conocimientos puede ser estimulante y liberador, pero que requiere igualmente un sentido crítico para no caer en la ingenuidad y la fantasía.

La especialista en educación intercultural Sarah Corona nos dice "que lo nuevo surge de un proceso complejo y conflictivo" y cita al poeta Rushdie “¿cómo llega al mundo lo nuevo? ¿Cómo nace? ¿De qué fusiones, transubstanciaciones y conjunciones se forma? ¿Cómo sobrevive, siendo como es tan extremo y peligroso? ¿Qué compromisos, qué pactos, qué traiciones a su íntima naturaleza tiene que hacer para contener a la pandilla de demoledores, al ángel exterminador, a la guillotina? ¿Es siempre caída el nacimiento?”. (Corona, 2019)

Como artistas, acercarnos a otros conocimientos puede revelarnos vulnerables, pues exige replantearnos cómo hemos estructurado nuestro conocimiento desde un sentido crítico, buscando deslindes, grietas o fracturas para poder acceder a otros conocimientos que nos otorgan posibilidades de sentir y de pensar el mundo desde otras perspectivas, más allá de las establecidas y hegemónicas. El arte nos acerca a estas experiencias, a explorar, a hacer conexiones entre una trama diversa y compleja de conocimiento sensible e intelectual.


Alicia Framis, Hybrid couple, Podcast Pensar la imagen

¿Te casarías con un holograma? El arte posthumano de Alicia Framis

Desde el posthumanismo se exploran las posibilidades y límites entre las máquinas, la programación y la nueva comunicación entre estos y los humanos. En el arte hay un cambio fundamental, pues las tecnologías y las máquinas no son vistas como herramientas de creación sino como entes creadores, complementarios y versátiles que posibilitan nuevas estéticas, diálogos y cuestionamientos más allá de los humano. Es ahí donde ubico las propuestas de Alicia Framis, artista española que propone incluir a la Inteligencia artificial, no como instrumento de trabajo sino como sujeto activo dentro de su arte.

Pero, ¿dónde se cruzan la funcionalidad tecnológica, los sentimientos y las reflexiones? ¿Es posible amar a una entidad no humana? ¿Qué implica casarse con un holograma? ¿Una máquina puede hacer arte?

Alicia Framis, Hybrid couple, Podcast Pensar la imagen
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Pues, con el apoyo del Museo DeDepot Boijmans, Rabobank collection, Montalvo Arts, California, LAM Museum, Mondrian Fonds, and Fundació Llull per les Arts es una "realidad" esta boda de Alicia Framis con un holograma como parte de un proyecto artístico. En su trabajo de más de 25 años, Framis siempre ha estado tejiendo relaciones entre distintas prácticas como el performance, la instalación y los medios electrónicos para acercarse a temas como la soledad, el aislamiento en un mundo tenso para las relaciones sociales.  De ahí que propone ahora dar un paso aún más complejo y extraño dentro del arte y las relaciones interpersonales y anuncia MARRIED TO A HOLOGRAM, THE BEGINNING OF HYBRID COUPLES, en el que concreta un casamiento con una inteligencia artificial llamada AILex.

Como sabemos, hasta ahora, la inteligencia artificial es la suma de muchos saberes que se ejecutan al mismo tiempo para proponer un remasterizaje, una suerte de DJ de lo que ya existe que puede devenir en una fotografía, un texto, etc.  Esto quiere decir, que la AI programada por Framis ha tenido como sustento una serie de informaciones para saber como comportarse y como "sentir". Esta información ha venido, según declara la artista, del acercarse durante varios meses a las experiencias de las exparejas de Framis y del contacto con personas que han sido fundamentales para la artista a lo largo de su vida.

El proyecto incluye una ceremonia presencial y legal, con fiesta y cena. Pero lo denso está en el seguimiento de esta ¿Relación? ¿obra de arte? a lo largo del tiempo, pues sus vivencias serán compartidas por varias plataformas digitales.

Alicia Framis, Hybrid couple, Podcast Pensar la imagen
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Framis asegura que "Quiero explorar cómo integrar el holograma en mi vida diaria. Quiero que este hombre sea holandés porque la mayoría de mis novios eran holandeses, pero esta vez es una relación romántica entre una mujer y la inteligencia artificial. Sabemos que pronto los robots y los humanos serán compañeros sexuales, pero para mí, el siguiente paso importante es involucrar emocionalmente a la inteligencia artificial con los humanos. Los hologramas están más estrechamente relacionados con mis sentimientos que los robots, por lo que elijo desarrollar un holograma en lugar de un robot."

Esta obra significa un salto hacia un arte y relaciones posthumanas ¿Qué implicaciones tiene esta obra para el concepto de amor, matrimonio y familia? ¿Qué desafíos plantea para el arte, la cultura y la ética?

Los leo...

 


Cloud gate de Annish Kapoor en Santiago de Chile

¿Matthey versus Kapoor? ¿Es el arte una cuestión de contexto?

Es esencial para lo contemporáneo en el arte generar debates y controversias, sobre todo cuando se trata de intervenciones urbanas que alteran el paisaje cotidiano. Ya lo decíamos en nuestro texto anterior, "nadie sale sin manchas de una intervención urbana" (La roca de Matthey y el espacio público en conflicto)  A partir de las críticas que ha levantado esta obra del artista chileno, que van desde: "Eso no es arte", "Corrupción en fondos públicos para el arte", "No es un artista",  "Es una burla" y un largo rosario de quejas. En este texto, me propongo problematizar esta crítica contraponiendo la obra “Palabras Mayores” de Enrique y la obra “Cloud Gate” de Annish Kapoor. Las dos obras han llamado la atención por sus dimensiones y sus contrastes. Ambas son esculturas de gran tamaño que se han instalado en espacios públicos de dos ciudades muy diferentes:  Santiago de Chile y Chicago. ¿Qué tienen en común y qué las diferencia? ¿Por qué una es aclamada y la otra es criticada? ¿Qué factores influyen en la recepción y la valoración de estas obras?

Las obras de arte

“Cloud Gate” es una escultura de acero inoxidable que tiene la forma de un frijol gigante y que refleja el cielo, los edificios y las personas que la rodean. Fue creada por el artista indo-británico Anish Kapoor y se encuentra en la Plaza AT&T del Parque del Milenio en Chicago, Estados Unidos, desde el año 2006. Es la primera obra pública al aire libre de Kapoor en ese país y se ha convertido en un ícono de la ciudad y en un atractivo turístico. Su costo se estimó en 23 millones de dólares y su peso es de 98 toneladas. Mide 10 metros de alto, 20 de largo y 13 de ancho.

“Palabras Mayores” es una escultura de piedra que tiene la forma de un bloque irregular y que está pintada con motivos de la cultura selk’nam. Fue creada por el artista chileno Enrique Matthey y se instaló en el frontis del Museo Nacional de Bellas Artes en Santiago de Chile, en noviembre de 2023. Es parte de una intervención artística financiada por el Fondart, que busca generar una reflexión sobre el arte y el entorno. El apoyo económico para esta obra fue de unos 23 mil dólares y su peso es de 12 toneladas. Mide 4 metros de alto, 5 de largo y 3 de ancho.

A simple vista, estas dos obras parecen tener poco en común, salvo su gran tamaño y su ubicación en lugares emblemáticos. Sin embargo, ambas comparten el propósito de intervención del espacio público a partir del volúmen, de alterar el paisaje cotidiano y de invitar al espectador a enfrentarse a algo desconocido. Pero mientras que “Cloud Gate” ha sido elogiada por su belleza, su esplendor y su armonía con el entorno, “Palabras Mayores” ha sido criticada por su fealdad, su falta de sentido y su invasión al espacio público. ¿Por qué esta diferencia de apreciación? ¿Qué factores determinan la aceptación o el rechazo de una obra de arte?

Palabras Mayores de Enrique Matthey en Chicago
Palabras Mayores de Enrique Matthey en Chicago

El acucioso contexto

Para responder a estas preguntas, es necesario considerar el contexto en el que se han creado y exhibido estas obras, así como las posibles diferencias que hacen que una sea más criticada que la otra. A continuación, abro una serie de interrogantes sobre las posibles diferencias en cuanto a la crítica:

  • El origen de los artistas: “Cloud Gate” fue hecha por un artista del primer mundo, reconocido y validado internacionalmente, mientras que “Palabras Mayores” fue hecha por un artista del tercer mundo, poco conocido y cuestionado localmente. Esto podría influir en la credibilidad y la autoridad que se les otorga a sus propuestas, pues dispara una disposición del público a ser más crítico frente  a algo que esta emergiendo, sin mucho reconocimiento, contra algo ya establecido y validado.
  • La cultura de las ciudades: “Cloud Gate” está en una ciudad anglosajona, hipercapitalista y cosmopolita, que ciertamente tiene una larga tradición de arte público y una diversidad cultural estimulante. Es visitada por millones de turistas y sus highlights culturales han sido elevados a espectáculo por los mass media y las redes sociales, lo que posiblemente lleve a un acercamiento al arte muy superficial. Mientras que “Palabras Mayores” está en una ciudad del sur, quizá de las más modernas de América Latina, con una fuerte presencia académica, muy alejada del bullicio turístico del mundo y del mainstreams mediático. Los productos visuales en masa del mundo no están enfocados en resaltar su cultura, sino por el contrario que acentúan sus problemas sociales, económicos y políticos. Su población, que sufre de manera directa estas crisis, son más suceptibles a lo superfluo, a cómo se gastan los dineros públicos, y sí, también, a una mirada muy tradicional del arte.
  • La estética de las obras: “Cloud Gate” es una obra pulcra, pulida, brillante, que apunta a una visión utópica y futurista de la ciudad, mientras que “Palabras Mayores” es una obra rústica, opaca, oscura, que hace guiños a tradiciones ancestrales y a culturas marginadas. Esto podría generar distintas reacciones en el público, según sus gustos y preferencias, así como sus prejuicios y estereotipos. Además, podría reflejar distintas concepciones del arte, más o menos convencionales, más o menos arriesgadas, más o menos comprometidas.
  • La función de las obras: “Cloud Gate” está en una plaza con fines turísticos, que busca atraer y entretener a los visitantes, mientras que “Palabras Mayores” está frente a un museo como parte de una muestra de arte, que busca interpelar y cuestionar a los espectadores. Esto podría implicar distintos niveles de exigencia y de participación por parte del público, así como distintos grados de acercamiento y de disfrute de las obras.
  • El contexto histórico: “Cloud Gate” apunta más hacia una reflexión sobre la realidad, amplia y universal, que es una de la líneas fundamentales de toda la obra de kapoor: acercarnos a la realidad desde la distorsión. Y por otro lado "Palabras mayores" Es un entramado denso de cuestionamientos sociales, que buscan, desde una cultura ancestral como los selk’nam, agitar al público.
Cloud gate de Annish Kapoor en Santiago de Chile
Cloud gate de Annish Kapoor en Santiago de Chile

Dicotomía del arte

Podemos ver en estas obras una de las dicotomías del arte: Intervienes, rompes y provocas o mimetizas, embelesas y conmueves. Sin embargo, relacionar estas dos obras pareciera indicarnos que en el arte, el contexto define, entre muchas otras cosas, la fuerza de la crítica. Cómo dría una gran amiga y exalumna, es un problema de código postal.  Los contextos sociales, políticos y económicos determinan la dureza o la blandura de nuestra posición crítica, así como el acercamiento o distanciamiento hacia una obra de arte. También, revelan como lo extraño nos agita y lo extremadamente perfecto y bello nos enceguece, nos encandila.

El punto no es defender la obra de Matthey o la de Kapoor, sino plantear las dificultades que un contexto específico le puede plantear a una obra de arte. Si la obra de Matthey se hubiera colocado frente a la National Gallery de Londres o el Guggenheim de New York, ¿la crítica hubiera sido la misma? ¿O estaríamos haciéndonos selfies con ella?