Entre lo público y lo privado: Lo político en el archivo y la familia
La fotografía es un medio que nos permite descubrir las jerarquías políticas que acontecen en nuestros contextos, tanto en el ámbito público como en el privado. Sin embargo, ¿qué sucede cuando estos dos ámbitos se entrecruzan y se confrontan? ¿Qué historias, tensiones y reflexiones emergen de la relación entre el archivo institucional y el archivo familiar?
Este proyecto explora estas preguntas a través de una propuesta documental que trabaja con dos tipos de archivos fotográficos: el archivo público de la Fototeca de Nuevo León, que contiene imágenes de la historia social, política y cultural del estado; y el archivo privado de la familia de los artistas, que registran sus vivencias personales, familiares y afectivas.
La relación donde se conectan el archivo público y el familiar pudiera estar en que ambas, representan la autoridad, el control y la legitimación de una historia oficial, dejando de lado las historias e imágenes que plantean otros derroteros. Ambos archivos construyen relatos políticos que buscan sostener una posición de superioridad, dominación y exclusión. Sin embargo, el archivo familiar pudiera ser un espacio de resistencia, de diversidad y oposición a los archivos públicos. De ahí que construir una visualidad compartida nos puede dar pistas sobre cuál de las dos manifestaciones acontecen en nuestros archivos privados: Si la representación de una política familiar alineada al poder o de una política de resistencia.
Ya en ese territorio, el rol de la fotografía como documento y como memoria se fractura, y nos mueven a reflexionar sobre la construcción de la identidad personal y social a través de este medio. Asimismo, ante estas imágenes el espectador es estimulado a participar en un diálogo documental, aportando sus propias experiencias, recuerdos y opiniones sobre el archivo público y la familia.
Marcel del Castillo. Curador
Artistas:
Camila Torre Zambrano
Regina Solorio
Antonio Medina
Hector De la Cruz
David Barajas
¿Qué ocultamos cuando nadie nos ve?
El arte muchas veces es refugio y coraza. Es el lugar donde los artistas nos adentramos para remover aspectos que nos perturban, que nos agitan, para luego intentar crear zonas de contacto con los otros, con el afuera, mediado por los objetos o los gestos artísticos. Es decir, muchas veces el punto de partida de la creación es el dolor, la herida, una grieta dentro de nosotros que palpita y nos afecta. Y justo ahí, en esas fracturas, hoy me pregunto ¿qué pasa cuando nadie nos ve? ¿Quiénes somos realmente cuando estamos solos, sin la mirada de los demás? ¿Cómo nos sentimos cuando nadie nos escucha, nos juzga o nos aplaude?
Estas son algunas de las preguntas que siento que muchos artistas han intentado responder desde sus prácticas y trincheras personales y que los ha movido a crear obras que reflejan sus emociones, pensamientos y deseos profundos y dolorosos. En este sentido hay algunas artistas cuyo trabajo en lo particular, me ha interesado y afectado:
- Ana Teresa Barboza: Es una artista peruana que utiliza el bordado como técnica para crear obras que dialogan con la naturaleza, el cuerpo y las emociones. Su serie “Atlas” es una colección de obras que exponen una autopsia y disección de sus historias afectivas.
- Sophie Calle, una artista francesa que utiliza la fotografía, el video y el texto para documentar sus experiencias personales, como el seguimiento de extraños, la ruptura con su pareja o la muerte de su padre.
- Nan Goldin, una fotógrafa estadounidense que retrata su vida íntima y la de sus amigos, marcada por el amor, el sexo, las drogas y la violencia. Sus obras son crudas, honestas y conmovedoras.
- Francesca Woodman, una fotógrafa estadounidense que se suicidó a los 22 años, dejando un legado de imágenes en las que explora su cuerpo, su identidad y su relación con el espacio. Sus obras son poéticas, misteriosas y melancólicas.
- Ana Mendieta, una artista cubana que utilizó su propio cuerpo como medio de expresión y denuncia de la violencia de género, la migración y la identidad cultural. Sus performances, fotografías y esculturas muestran su conexión con la naturaleza y su búsqueda de pertenencia.
- Tracey Emin, una artista británica que expone su vida privada y sus experiencias traumáticas, como el aborto, el abuso sexual y la depresión, a través de instalaciones, dibujos y textos. Su obra más famosa es "Mi cama", donde muestra su cama desordenada y sucia como una metáfora de su estado emocional.
En estas propuestas artísticas se manifiestan muchos cuestionamientos, pero especialmente es una invitación al espectador a preguntarse sobre si mismo, sobre lo que mostramos y lo que ocultamos, sobre lo que somos y lo que queremos ser. Como dijo el filósofo Jean-Paul Sartre: "El infierno son los otros". Pero también podemos preguntarnos: ¿El paraíso somos nosotros mismos?
¿Qué haces cuando nadie te ve?
Foto de portada: Ana Teresa Barboza. ATLAS DE ANATOMÍAS COMPARADAS
Caminar, crear y derivar: el arte de lo inesperado
Esta forma de caminar se conoce como deriva, un concepto que acuñaron los situacionistas, un grupo de artistas y activistas que en los años 50 y 60 del siglo pasado propusieron una nueva forma de relacionarse con el espacio urbano. La deriva consiste en abandonar los recorridos habituales y seguir las propias emociones e impulsos, o dejarse guiar por el azar, para descubrir aspectos ocultos o insólitos de la ciudad.
La deriva es una práctica artística que busca romper con la lógica funcional y comercial que domina el entorno urbano, y generar nuevas experiencias estéticas y políticas. Al caminar por la ciudad sin un destino fijo, se crea una situación que favorece la imaginación, la crítica y la transformación. La deriva es también una forma de resistir al control social y a la alienación que produce la vida moderna.
En el arte, la deriva a veces se ha convertido en un fetiche, en una excusa para no pensar, para no darle cuerpo y contexto a nuestros proyectos, o se asume como un trabajo urbano exclusivamente. Pero la deriva no es ir por ahí sin pensar. Es buscar el detonante del pensamiento a través de los sentidos en los detalles, las formas, en las grietas de lo visible... Ya no solo se puede aplicar al espacio urbano, sino también a cualquier otro entorno natural o cultural incluso al paisaje de las ideas. Es decir, dentro de nuestro contexto cultural y de conocimiento, buscar otras rutas o relaciones entre las ideas que nos lleven a conceptos inesperados.
¿Te animas a probar la deriva?
Comparte tus experiencias con nosotros y descubre cómo caminar puede potenciar tu pensamiento y tu creatividad.
La vida mentirosa de los adultos: la sensible búsqueda de la indentidad
La serie de Netflix basada en la novela de Elena Ferrante, La vida mentirosa de los adultos, es una obra que nos agita desde adentro, para reflexionar sobre la construcción de la identidad, el papel de la familia y la influencia del entorno en la vida. La protagonista, Giovanna, es una adolescente que descubre que su padre la compara con su tía Vittoria, una mujer despreciada por su familia por su carácter vulgar y rebelde. Giovanna decide conocer a su tía y se adentra en un mundo desconocido para ella, el de los barrios bajos de Nápoles en los 90's, donde la vida se manifiesta de formas insólitas y provocadoras.
La serie tiene una narrativa sutil y extraña, que mezcla el realismo con el simbolismo, la inocencia con la sensualidad, la mentira con la verdad. Uno se siente atraído por la complejidad de los personajes, que no son ni buenos ni malos, sino humanos y contradictorios y una estética cinematográfica que me recuerda a Fellini. La serie también muestra el contraste entre la Nápoles refinada y culta de los barrios altos y la Nápoles popular y vibrante de los barrios bajos, donde el arte se expresa en las calles, en las iglesias, en las fiestas y en los cuerpos.
La vida mentirosa de los adultos es una serie potente que cuestiona las apariencias, las convenciones y las normas sociales. Es una serie que habla de la construcción sensible de la identidad llena de incertidumbre, dudas y dolor, como una forma de liberación, de resistencia y de transformación.
La serie es un paseo sensible, hermosamente contado, que en mi caso me llevó a repensar como fue esa construcción identitaria en mi, como fue ese transcurrir de aventura en una ciudad como Caracas, también en los años 90.
Los invito a verla y a comentar qué logró moverles de esta hermosa historia.
La precariedad de ser artista
Hace poco publiqué en este blog una nota que se preguntaba ¿Cuándo renunciar a las convocatorias de arte? , y trataba de dar un panorama amplio sobre cuándo, por qué y para qué seguir participando en convocatorias. Sin embargo, entre lineas, ese texto denota un fantasma que recorre la actividad de quienes nos dedicamos al arte: La precariedad económica de nuestro trabajo, esfuerzo y pensamiento.
Una precariedad que se manifiesta compleja. Pasa por nuestra familia, las instituciones y la valoración general de una actividad, que si bien es reconocida socialmente por sus aportes al humanismo y al colectivo de nuestra civilización, no así, es valorada económicamente.
En lo personal y a lo largo de mi trayectoria ha sido una tensión constante. Recuerdo a mi mamá recordándome siempre que buscara un trabajo fijo, que ser artista no valía la pena y en el entorno familiar la subestimación de mi trabajo. A mis amigos del colegio o la universidad, la mayoría no entiende que es lo que hago o para qué. En el lado institucional es un poco más perverso, porque, en la mayoría de los casos, se usa al artista para cumplir agendas y actividades, cangeando sueños y expectativas, trabajo e investigación, por una migaja de reconocimiento, validación o visibilidad. Un ironía redonda, pues las instituciones culturales existen como medio entre arte y sociedad, pero el artista, a pesar de ser quien produce e invierte su tiempo y recursos, es tratado como gestor altruista que trabaja a cambio de aplausos y sonrisas.
A partir de ese post sobre convocatorias, me escribió Eduardo Ramirez, un investigador, ensayista y crítico de la ciudad de Monterrey, para compartirme una ponencia que realizó para el Museo universitario de arte contemporáneo de Ciudad de México (MUAC), donde pone en evidencia algunas iniciativas institucionales y privadas que vulneraron a los artistas durante la pandemia. Aquí les comparto el video, pues detonó que escribiera esta breve nota.
Aquí pueden ver la ponencia:
Por el lado de las convocatorias y becas, también juegan un papel perverso. Ofrecen pequeños aportes, con los cuales un artista apenas puede producir la obra, en el mejor de los casos, pero no puede pagar la renta, la comida, o los nuevos materiales. Y a cambio, debe desarrollar proyectos, investigaciones, escribir declaraciones, diseñar portafolios específicos y exponer su obra. ¿Hay excepciones a esta situación? Sí, las hay. En lo personal he sido seleccionado en varias donde además del dinero de producción de obra, se incluye honorarios para el artista que dedicará su tiempo y conocimiento en el desarrollo de un proyecto.
Sin embargo, esas oportunidades son escasas y la competencia es desmedida. Es así como el ser artista en el contexto latinoamericano pasa a ser una profesión de las más precarias, casualmente, igual que los maestros.
Por supuesto que existe una élite de artistas que juegan en la liga del mercado del arte, pero esa es otra historia que escribiré más adelante.
Ahora ¿Cómo se manifiesta esa precariedad?
- Ingresos irregulares: Muchos artistas tienen dificultades para obtener ingresos regulares y estables a través de su trabajo artístico. Esto puede deberse a la falta de demanda, a la competencia en las convocatorias o Becas o a la falta de acceso para comercializar su trabajo.
- Falta de seguridad laboral: Los artistas que trabajan en el sector cultural a menudo tienen contratos temporales o trabajan como autónomos, lo que significa que no tienen acceso a los mismos derechos laborales y sociales que los trabajadores asalariados.
- Presión financiera: La necesidad de ganarse la vida puede llevar a algunos artistas a comprometer su visión artística o a aceptar trabajos que no les interesan realmente.
- Falta de apoyo institucional: Muchos artistas luchan por obtener financiación y apoyo para sus proyectos artísticos, ya sea por parte del gobierno o de organizaciones privadas.
- Dificultades para conciliar trabajo y vida personal: Los artistas que combinan su trabajo artístico con otros trabajos pueden tener dificultades para encontrar un equilibrio entre su vida laboral y personal. La mayoría termina renunciando a hacer arte.
Es creciente la desvaloración a todo aporte humanista o que ejercicio del pensamiento crítico y la creación son prescindibles. Parece que todo debe producir solo capital económico de forma práctica y rápida. A veces se nos olvida que el arte ha sido igual de importante que la ciencia para el desarrollo de nuestra civilización en este planeta.
Foto de Matthieu Comoy en Unsplash
Cómo proteger tus fotografías en el ámbito digital: 5 ideas prácticas
Casí nunca me preocupo si mis imáganes son o han sido apropiadas o robadas, es algo que no me interesa mucho, pero eso está determinado por mi tipo de trabajo, es decir, desde lo artístico procuro que mis obras sean libres de uso. Sin embargo, sé que para quienes se dedican exclusivamente a la fotografía, esto es un problema frecuente. En el último encuentro en vivo por mi cuenta de instagram @Podcastpensarlaimagen, una persona de la comunidad comenzó a narrarnos situaciones increíbles que le han sucedido en el circuíto del arte y la fotografía, con respecto a los derechos de sus imágenes. Desde la copia y la apropiación, que es el ejemplo más común, hasta el robo de autoría en un concurso, y así.
Ciertamente si eres un artista que trabaja con la fotografía, sabes el riesgo que tienen nuestras imágenes en el ámbito digital. La posibilidad de que alguien use tus imágenes sin tu permiso, o incluso que las modifique o las venda, es muy alto. Por eso, reuní estas 5 ideas prácticas para que puedas proteger tus fotografías en el ámbito digital y evitar, en lo posible, el plagio o la apropiación indebida.
- Registra tus obras. El primer paso para proteger tus fotografías es registrarlas ante la autoridad competente de tu país, que puede ser el Instituto Nacional de Derechos de Autor, la Oficina de Patentes y Marcas, o el organismo equivalente. Así, podrás demostrar que eres el autor original de tus obras y reclamar tus derechos en caso de que alguien las use sin tu consentimiento. Esta opción es la ideal, pero su trámite es muy costoso en tiempo y dinero, además que habría que hacerlo con cada una de las imágenes que subamos al internet.
- La información de los metadatos. Los metadatos de una fotografía son información que se almacena en un archivo que normalmente no es visible para el usuario final. Para la fotografía, esto significa que puede guardar todo tipo de datos escritos, que puede usar para etiquetar o categorizar sus imágenes1. Los metadatos pueden incluir información sobre el autor, la fecha y el lugar en que se hizo la fotografía, la cámara utilizada y las características técnicas de la imagen2.La importancia de los metadatos de una fotografía para protegerte de plagios es que te permiten demostrar tu autoría original y reclamar tus derechos en caso de que alguien use tus imágenes sin tu permiso, o incluso que las modifique o las venda.
- Usa licencias Creative Commons. Otra opción para proteger tus fotografías es usar licencias Creative Commons, que son un tipo de licencias libres que te permiten decidir cómo quieres que se usen tus obras. Puedes elegir entre diferentes tipos de licencias, según si quieres permitir o no el uso comercial, la modificación o el reconocimiento de tu autoría. Puedes obtener una licencia Creative Commons para tus obras en su página web oficial.
- Publica tus obras en plataformas seguras. A la hora de publicar tus fotografías en el ámbito digital, es importante que elijas plataformas seguras que respeten tus derechos y te ofrezcan herramientas para proteger tu obra. Algunas plataformas recomendables son [Behance], [Flickr] o [500px], que te permiten mostrar tu trabajo a una comunidad de artistas, aplicar licencias Creative Commons y controlar la descarga y el uso de tus imágenes.
- Software que impiden copiar y capturas de pantalla. Se trata de una forma de impedir que otras personas puedan copiar o guardar las imágenes que muestras en tu sitio web o en tu dispositivo móvil, mediante el uso de programas o aplicaciones que bloquean la función de captura de pantalla. Así, si alguien intenta hacer una captura de pantalla de tus imágenes, verá un mensaje de error o una imagen en blanco.
Estas son algunas ideas que en mi experiencia pueden ayudar a disminuir el riesgo de copia o robo. Pero creo que al final la mejor estrategia es pensar muy bien, y cuidar qué tipo de imágenes subimos al internet, entendiendo el riesgo que esto tiene, que sirvan como abrebocas o demo de nuestro trabajo y no publicarlo completo. Si hay alguien interesado, pues se les muestran más imágenes en privado o por sistemas directos.
¿Qué otras formas conoces para proteger tus fotografías en el ámbito digital? Comparte tu opinión con nosotros en los comentarios.
Foto de Matt Popovich en Unsplash
¿Cuándo renunciar a las convocatorias de arte?
Si eres un artista de cualquier rango de trayectoria, seguramente has participado en varias convocatorias de arte, ya sea para exposiciones, residencias, becas o premios. Pero ¿alguna vez te has preguntado si vale la pena seguir enviando tu obra a estas convocatorias? ¿Qué beneficios obtienes de ellas? ¿Qué riesgos implica?
Me pasa que después de tantos años aplicando a convocatorias acumulando rechazos y celebrando alguno que otro reconocimiento, el ojo se afina y los objetivos van cambiando. Las convocatorias de arte son una forma de dar a conocer tu trabajo, de establecer contactos con otros artistas y profesionales del sector, y de acceder a oportunidades de formación, financiación o difusión. Sin embargo, también pueden ser una fuente de frustración, de pérdida de tiempo, de dinero, y de desgaste creativo. En definitiva, las convocatorias son parte de un sistema del arte con muchas tramas, en el que en algún momento decidimos lanzarnos y pelear por un puesto en el mundo del arte o un certificado que validara nuestra obra.
Y para esto hay tantas experiencias como artistas en el mundo y no hay una respuesta única a la pregunta de cuándo dejar de participar en convocatorias de arte. Depende de tus objetivos, de tu situación personal y profesional, y de tu nivel de satisfacción con los resultados que obtienes. Pero hay algunos criterios que pudiéaramos tener en cuenta para tomar una decisión más reflexiva:
- La calidad y la reputación de la convocatoria. No todas las convocatorias son iguales. Algunas tienen más prestigio, más visibilidad y más rigor que otras. Investiga quién organiza la convocatoria, qué tipo de obra buscan, qué condiciones ofrecen y qué jurado selecciona los proyectos. Busca opiniones de otros artistas que hayan participado o que conozcan la convocatoria. Evita las convocatorias que te pidan pagar una cuota de inscripción sin garantizarte nada a cambio, o que te exijan ceder tus derechos de autor o renunciar a tu libertad creativa.
- La adecuación de la convocatoria a tu perfil y a tu obra. No te apuntes a todas las convocatorias que encuentres, sino solo a aquellas que se ajusten a lo que haces y a lo que quieres hacer. Lee con atención las bases y los requisitos de la convocatoria, y evalúa si tu obra encaja con el tema, el formato, el público y el contexto propuestos. Piensa si la convocatoria te aporta algo nuevo, si te permite desarrollar tu proyecto o si te abre alguna puerta interesante. No te conformes con lo que ya hay, sino busca lo que te hace falta.
- El balance entre el esfuerzo y el beneficio. Y no sólo hablamos de un beneficio económico, sino espiritual, artístico y profesional. Participar en una convocatoria implica dedicar tiempo, energía y recursos a preparar tu propuesta, a enviarla, a esperar la respuesta y a cumplir con lo que se te pida si resultas seleccionado. Piensa si todo ese esfuerzo vale la pena en relación al beneficio que puedes obtener. No solo se trata de ganar o perder, sino de aprovechar o desperdiciar una oportunidad. ¿Qué ganas si participas? ¿Qué pierdes si no participas? ¿Qué otras opciones tienes?
Estos son solo algunos aspectos que puedes considerar para decidir cuándo participar o renunciar a las convocatorias de arte. Pero al final, la decisión es tuya. Tú eres el único que sabe lo que quieres, lo que necesitas y lo que te hace feliz como artista. Y tú eres el único responsable de tus procesos artísticos y el papel que quieres jugar en el circuito del arte.
En lo personal, con el tiempo he perdido el interés en participar en convocatorias que solo me pueden ofrecer reconocimiento o una felicidad fugaz, me aboco a participar en convocatorias que puedan apoyarme en sostener económica y profesionalmente mis procesos creativos y producción de obra.
¿Has dejado alguna vez de participar en una convocatoria? ¿Por qué? ¿Qué comentario le darías a alguien que está pensando en hacerlo? ¡Comparte tu opinión en los comentarios!
Foto de Allef Vinicius en Unsplash
Art Battle Manchester: Urbe y participación
¿Te gustaría ver a 10 artistas crear una obra plástica en solo 30 minutos? ¿Te gustaría compartir con la comunidad que se dedica al arte en un ambiente de encuentro y diálogo? Si tu respuesta es sí, entonces te puede interesar el evento Art Battle en Manchester City, un evento de arte que invita de formas lúdicas y entretenidas a participar a todas las personas que se acerquen al lugar y quieran compartir una experiencia artística
Art Battle Manchester es una encuentro de pintura en vivo que se celebra periódicamente en diferentes lugares de Manchester. Los artistas tienen que crear una obra en solo 30 minutos, mientras el público circula por la acción y observa la evolución del trabajo.
Al final de cada ronda, el público vota por su creación favorita, y el artista seleccionado pasa a la final. El evento es una oportunidad única para conocer a artistas emergentes y experimentados, conocer técnicas y diversos modos de asumir el arte, disfrutar de música en vivo, comida y bebida, y compartir a modo de juego y entretenimiento con el arte local.
Les comparto un breve video que hice de esta interesante experiencia
Mira el video AQUÍ
¡Hola Califotofest!
Nuestros amigos de Califotofest se lanzan a una nueva edición del Festival de Fotografía experimental. Este es un festival que nace de la inicitiva del Colectivo Cámara expandida y gestionado por Martha y Carlos, que cada año, desde 2020, proponen un ejercicio de intercambio de ideas y proyectos entre artistas latinoamericanos. A mi modo de ver, han logrado juntarse y crear redes con artistas, curadores e instituciones, lo que ha potenciado sus intenciones y cada edición muestran una madurez curatorial y de gestión que vale la pena seguir.
En su web, pueden revisar los años anteriores y los proyectos que se seleccionaron por edición, para que te des una idea de este festival y si vale la pena para tus intenciones como artista, participar de esta convoctoria.
En 2020 participé como jurado de esta convocatoria y una de las cosas más interesantes que recuerdo fue la apertura a nuevas exploraciones, la libertad de juicio para quienes hacíamos la selección y un afán por respetar a los artístas y sus propuestas.
Es un festival que ofrece encuentro, diálogo y visibilidad a nuestros proyectos, más que otros beneficios materiales, sin embargo creo que el encuentro es sustancioso y nutritivo para los artistas.
Ya está abierta su convocatoria, que acompanamos desde el PODCAST Pensar la Imagen y como lo explica el reglamento: La convocatoria está dirigida a personas de origen latinoamericano residiendo en cualquier lugar del mundo, con proyectos individuales o a nivel colectivo, que sean y/o consideren que la fotografía es su lenguaje de expresión visual y mediación de procesos. Pueden participar personas estudiantes, aficionadas, creativas, investigadoras, artistas o fotógrafos(as) profesionales de cualquier nacionalidad, que sean mayores de edad, y que utilicen y experimenten con la fotografía.
Les comparto la línea editorial de este año y un enlace para descargar la convocatoria.:
“Imágenes y heridas de lo colonial”, es una línea curatorial propicia para la catarsis, reflexión, creación e investigación, a partir de la fotografía o lo fotográfico en clave decolonial (1). Es la posibilidad de que los procesos de reapropiación cultural, generan una reflexión sobre el tejido social y la producción de conocimiento plástico y visual desde el hacer, develen y cuestionen el medio fotográfico como un régimen visual de la mirada eurocéntrica.
La vitalidad actual de los proyectos fotográficos en la creación artística en Latinoamérica, ha permitido evidenciar procesos de interculturalidad. Y esto da cuenta, de alguna manera, de cambios en nuestra forma de ver y pensar sobre nosotros mismos, y nos otorga la posibilidad de reconocer ciclos de aceptación y lucha hacia procesos de transformación que reafirman una identidad latina que se abraza con el mundo.
Esta invitación es para las personas creadoras de imágenes fotográficas con énfasis experimental, que han tomado conciencia y postura sobre los procesos de aculturación, transculturación, violencia y acumulación de dolor, incrustados en los tejidos asimétricos de las relaciones humanas en nuestro continente. La apropiación de la fotografía como “un relato vivo” que brinda la posibilidad de transformar, amplificar y tejer “las voces y evidencias de una reivindicación personal y colectiva”.
Descarga la convocatoria AQUÍ
¿Son importantes las residencias artísticas para los artistas?
Y ahora, que en unas semanas salgo para Noruega a realizar otra residencia para producir en el Centro de artes electrónicas de Bergen, quisiera compartirles algunas ideas por las cuales considero importante este tipo de ejercicios para nuestros desarrollo humano y como artistas.
- Ofrecen oportunidades de intercambio cultural y profesional. Los artistas pueden conocer y colaborar con otros artistas, curadores, críticos y público de diferentes contextos y disciplinas, lo que enriquece su visión y su práctica artística.
- Facilitan el acceso a recursos materiales y técnicos. Los artistas pueden disponer de espacios de trabajo adecuados, equipamiento, materiales, asesoría y apoyo logístico para realizar sus proyectos, lo que les permite explorar nuevas posibilidades creativas. En algunos casos, el apoyo económico nos permite tener dedicación exclusiva a nuestros proyecto.
- Estimulan la creatividad y la experimentación. Los artistas pueden explorar otras maneras de hacer y pensar, lo que los impulsará a arriesgarse a probar nuevas ideas, técnicas y formatos, sin la presión de tener que producir resultados inmediatos o comerciales.
- Fomentan la reflexión y la crítica. Los artistas pueden recibir retroalimentación constructiva y honesta de sus pares, mentores y público, lo que les ayuda a revisar su obra y a cuestionar sus propios supuestos.
- Impulsan la difusión y la visibilidad. Los artistas pueden mostrar su trabajo a audiencias diversas y especializadas, participar en exposiciones, talleres, conferencias y publicaciones, y generar redes de contacto que les abran nuevas oportunidades profesionales.
Las residencias artísticas son una experiencia enriquecedora y transformadora para los artistas que quieren crecer personal y profesionalmente. Claro, siempre hay que revisar bien sus requerimientos y lo que ofrecen, etc. Como toda convocatoria, algunas residencias, en vez de aportar, lo que buscan es exprimir a los artistas. Hay que investigar primero, como en todo !!!
Les comparto lo que fue la presentación de cierre de mi participación en las Residencias Artísticas: Creación Experimental para la Justicia Social, realizadas en LABNL en colaboración con Fundación FEMSA y el LAboratorio de Arte AC del Tec de Monterrey entre marzo y junio de 2023