Luis Camnitzer: el arte como forma de pensar y transformar
A lo largo de mi trayectoria, cada vez que me encuentro con texto, video, entrevista o libro de Luis Camnitzer, requiero detenerme, pues sus planteamientos siempre me mueven de lugar.
Hoy les quiero contar un poco sobre él y en especial de una entrevista que detonó algunos de mis planteamientos en los procesos creativos contemporáneos. Y que sustenta un poco el capítulo 24 del Podcast Pensar la imagen, que se los comparto al final.
A Luis se le ubica como un artista conceptual, escritor y pedagogo uruguayo, sin embargo, a mi modo de ver, es un artista contemporáneo por pensamiento y acción. Ha dedicado su obra a explorar la relación entre arte y educación, así como el papel de la ignorancia como motor de la creatividad. En una entrevista publicada en el periódico El País1, Camnitzer reflexiona sobre cómo el arte puede ser un agente de cambio cultural y de percepción crítica, que desafíe las etiquetas y las categorías impuestas por el sistema. Para él, el arte no es una forma de expresión, sino una forma de pensar, la más libre que hay, pero siempre se ha dejado de lado en la educación porque se supone que es un instrumento emocional que no es útil. Camnitzer propone una pedagogía basada en la formulación de problemas y en la búsqueda de soluciones alternativas, que faciliten el descubrimiento y la creatividad de los alumnos. Su obra, que abarca el grabado, la escultura, la instalación, la fotografía y el texto, se caracteriza por su ironía, su rigor conceptual y su compromiso político y social. Ha participado en importantes exposiciones internacionales, como la Bienal de Venecia, la Bienal del Whitney, Documenta 11 y el Museo Reina Sofía.
¿Crees que el arte puede ser una herramienta para la educación y la transformación social? ¿Qué te parece su idea de que la ignorancia es un fascinante campo más allá del conocimiento?
Los leo !
¿Cómo el arte está construyendo otras ecologías? ¿Arte de cuidar o cuidar desde el arte?
Yayo Herrero, antropóloga e investigadora incisiva, con argumentos muy claros, que ha enfocado sus propuestas de ecología contraponiendola al modelo de desarrollo hegemónico y desde la ingeniería social y el feminismo, se presentará este 14 de septiembre a las 17 horas (de España) en la conferencia AESTHETICS, CARE, AND ECOFEMINISM junto a Care Ecologies, proyecto polifacético, centrado en diferentes aspectos de los cuidados, basado en una red de dispositivos culturales que trabajan en los ámbitos de la producción artística y la promoción del arte contemporáneo
La conferencia que será pública y on line es organizada por Idensitat + IMARTE y será de libre acceso, previa inscripción.
A mi modo de ver, Yayo es un referente de un potente feminismo que se asocia a problemáticas globales y fundamentales como el medio ambiente y el modelo de desarrollo imperante para canalizar o potenciar sus demandas.
Este es el programa completo.
PROGRAMA
14 de septiembre de 17:00 a 19:45h
17:00 - 17:15h Presentación y bienvenida - Idensitat + IMARTE
17:15 - 17:30h Presentación del proyecto internacional de Cooperación Europea CARE ECOLOGIES - G&A Mamidakis
17:30 - 18:15h Presentación de cada socio y sus actividades -
Idensitat (Barcelona), G&A Mamidakis (Athens), WHW (Zagreb), State of Concept (Athens)
18:15 - 19:00h Ponencia: Yayo Herrero.
19:00 - 19:30h Debate entre los diferentes participantes y abierto a los asistentes.
19:30 - 19:45h Cierre de la sesión
Para inscribirse enviar un mail a: idensitat[at]idensitat.net
Julio Galán: un conejo partido a la mitad
Julio Galán fue un artista que provocó al arte mexicano con argumentos lúdicos y pícaros. Sus obras reflejan intimidad, miedo, deseos, fantasías y conflictos con el mundo que lo rodeaba, todo dentro una atmósfera cargada de humor y dolor.
Su obra se paseó por el surrealismo, el neoexpresionismo y el arte popular atravesando la cultura mexicana.
El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) presenta una retrospectiva de su obra cuidadosamente curada por Magalí Arreola que estuvo previamente en el Museo Tamayo de Ciudad de México y que abarca desde sus inicios hasta su muerte en 2006.
La exposición construye un hilo narrativo que reúne más de 80 piezas, entre pinturas, dibujos, collages, fotografías y ensamblajes, que muestran diversos momentos discursivos del artista. La distribuición en sala plantea un paseo de argumentos y simbolos que nos permiten construir un ideario sensible del artista y sus propuestas temáticas
La disfruté mucho, pues es difícil conseguir exposiciones retrospectivas que su curaduría profundice en los argumentos del artista, en general la mayoría se rige por el tiempo o los estilos, y esta es una excepción. La muestra estará hasta septiembre 2023.
En la visita a la expo realicé este breve video que les comparto.
https://youtube.com/shorts/vOHgiCIfykU?feature=share
Nicolás Miranda: un artista que desafía el poder con esculturas hiperrealistas
Nicolás Miranda es un artista chileno que ha causado revuelo en Buenos Aires con sus intervenciones urbanas. Sus esculturas hiperrealistas representan a personajes anónimos que contrastan con los símbolos del poder y la historia oficial. Así, Miranda busca generar una reflexión crítica sobre la realidad social y política de la ciudad. Su proyecto, llamado Gente en su sitio, o tentativas de una noble igualdad, consta de tres piezas: Juanito Laguna, un niño pobre inspirado en la obra de Antonio Berni1; la Turra, una joven marginal que desafía las normas de género2; y el Policía, un agente que se saca una selfie con su arma3. Estas figuras son colocadas en lugares estratégicos, como la Plaza de Mayo, el Palacio de Tribunales o el MALBA, donde generan reacciones diversas entre los transeúntes.
El mensaje político detrás de estas esculturas es el de cuestionar el orden establecido y las desigualdades sociales que existen en Buenos Aires. El artista contemporáneo Nicolás Miranda quiere mostrar la realidad de los sectores más vulnerables y marginados, que suelen ser invisibilizados o estigmatizados por el poder y los medios de comunicación. Al colocar sus esculturas en lugares emblemáticos, Miranda busca generar un contraste entre los discursos oficiales y las experiencias cotidianas de la gente común. Así, Miranda pretende crear un diálogo crítico entre el arte y la sociedad, y provocar una reflexión sobre los problemas que afectan a la ciudadanía.
¿Qué opinas de esta propuesta artística? ¿Crees que logra su objetivo de provocar y cuestionar?
Arte contemporáneo en la Ciudad de México en 4 tiempos
La Ciudad de México es una de las capitales culturales más vibrantes y diversas del mundo, donde el arte contemporáneo tiene una presencia destacada y variada. Desde museos que albergan obras de artistas consagrados, hasta galerías que impulsan el talento emergente, hay opciones para todos los gustos y presupuestos. Si quieres conocer algo del mundo del arte contemporáneo, te voy a recomendar cuatro espacios institucionales que siempre visito cuando voy a la ciudad de México:
- MUAC, Museo Universitario de Arte Contemporáneo. Este museo, ubicado en Ciudad Universitaria, un poco lejos del centro, pero es mi favorito, es una delicia descubrir sus investigaciones y curadurías. Su diseño arquitectónico, a cargo del británico David Chipperfield, es una obra de arte en sí mismo. El MUAC se dedica en exclusiva a albergar las últimas propuestas artísticas, producto de proceso de investigación por su equipo curatorial. Sus exposiciones son siempre interesantes y provocadoras, y abordan temas relevantes para la sociedad actual.
- Museo Tamayo Arte Contemporáneo. Este museo, situado en el Bosque de Chapultepec, es uno de los preferidos de la ciudad, gracias a que siempre aloja exposiciones de vanguardia y a la impresionante colección de Rufino Tamayo, donada por el artista para la creación del museo y que abarca obra internacional de los años 60 y 70. El recinto, que abrió sus puertas en 1981, goza de una popularidad notable debido a su inmejorable ubicación y accesibilidad.
- Museo Jumex. Este museo, localizado en la zona de Polanco, es la principal ventana de exposición de la Fundación Jumex Arte Contemporáneo (FJAC), una de las colecciones de arte contemporáneo más grandes e importantes de Latinoamérica. El museo, inaugurado en 2013, también tiene un diseño arquitectónico espectacular, obra del mismo David Chipperfield. El Museo Jumex presenta exposiciones temporales de artistas nacionales e internacionales, así como programas educativos y culturales que buscan acercar el arte al público.
- Museo Universitario del Chopo. Este museo, localizado en la colonia Santa María la Ribera, tiene una historia singular. El edificio sirvió originalmente como pabellón en una feria industrial que tuvo lugar en Alemania a principios del siglo XX. Sus piezas fueron traídas a México y se montaron en su ubicación actual. Durante más de cincuenta años, esta joya del art nouveau alemán fue la sede del Museo de Historia Natural, hasta que a mediados de los setenta adoptó el papel que tiene ahora, el de dar cobijo al Museo Universitario del Chopo. Este museo se caracteriza por ser un espacio alternativo y transgresor, donde se exhiben obras de artistas emergentes y experimentales.
- Laboratorio Arte Alameda Sí, dije que eran 4, pero no puedo dejar por fuera este espacio ubicado frente a la Alameda central de la CDMX ocupando el inmueble que una vez fuera el Convento San Diego, que también es otro de mis favoritos. Sus propuestas suelen ser muy interesante, presentando artistas de todo el mundo con una línea experimental y conceptual con claros trazos políticos y sociales.
¿Qué otros espacios conoces o te gustaría conocer? ¿Qué lugar me recomendarías?
El paisaje que nos falta de Gustavo Sánchez Tudón
“El instante de la pintura es el de la duda entre diversos posibles”
Pascal Quignard
1.
Con la presencia de la brisa vespertina que cubre Tampico, allí en los pasillos de la antigua aduana levantada en el porfiriato, el maestro Gustavo Sánchez Tudón delata su pasión por el río Pánuco y sus aconteceres. Sus palabras son remembranzas de un mundo vivido y por venir. Su mirada hacia la corriente del río, traza un devenir lleno de dudas pero anclado en una historia que lo estremece: la historia del paisaje tamaulipeco que se desborda en su interior y aparece en colores sobre el lienzo.
2.
Nuestra vida está llena de lo vivido, pero también de lo no vivido. Así como la pintura es una posibilidad dentro de muchas, como lo plantea Quignard en el fragmento que da inicio a este texto. Contemplar las pinturas presentes en esta muestra, es una oportunidad para desentrañar los posibles pasajes de lo que no está, de lo que quedó fuera del sentir del pintor, de las posibles relaciones visuales y emocionales de lo que acontece al interior de la mirada del artista o de nuestras percepciones como espectadores. De la necesidad de construir los paisajes que faltan, que nos hacen falta.
3.
El paisaje es una abstracción y la abstracción es un paisaje. ¿Qué vemos cuando nos acercamos a las pinturas abstractas que nos propone Sánchez Tudón? Acaso un territorio expandido de sueños y fantasías, cuyo soporte es la pasión humana; o una excusa para camuflar viejas nostalgias; o la manifestación de una intimidad en colores; o la generosa ofrenda para un espectador ávido de otras realidades.
4.
El paisaje también es un movimiento. Íntimo, que nos agita, que desempolva la memoria, que nos conmueve.
El paisaje es un retorno: como resonancia de la infancia, de la nostalgia de un pasado soñado, idealizado, que vuelve a nosotros como síntoma de la urgencia de un abrazo. A momentos tierno, a momentos tenso.
5.
La distancia entre Monterrey y Tampico puede contarse en longitud, algo más de quinientos kilómetros; o en tiempo, unas seis horas. O puede contarse en historias.
Durante ese trayecto, el Maestro Sánchez Tudón, nos ha hablado de sus inicios en Ciudad Mante y su pasión por el mar de Tampico, de su paso por La Esmeralda y su fascinante estadía en Rumania, sus tropiezos y andanzas en la gastronomía y las ocurrentes situaciones en el mundo del arte, que a un pintor de su madurez, le arranca carcajadas y profundas reflexiones.
Escucharlo con atención nos permite acceder a los códigos que descifran sus abstracciones. Está todo contenido ahí, esperando ser conversado.
Marcel del Castillo. Curador
Consejos para artistas de dos galeristas profesionales
Acabando de terminar la primera edición de mi Taller: El artista Profesional, consigo en mi time line de Facebook una declaración, casi desesperada, de la galerista venezolana Gabriela Benaim dando unos consejos para los artistas que quieren contactar a las galerías por medio de un email. Hago la mención que coincide con el taller, porque éste nace justamente de la precaria formación e información que tenemos los artistas sobre como desempañarnos en el circuito cultural en el que desarrollamos nuestra actividad y el papel de los agentes culturales que hacen vida en él.
Digamos que sigue muy presente esa visión romántica del artista que es descubierto, iluminando y protegido por un mecenas; llámese galerista, curador o gestor cultural, quien le guiará por el camino de la gloria, el reconocimiento y la trascendencia. Algo que en el siglo XXI no es más que un mal recuerdo de las prácticas renacentistas que se extendieron, quizás, hasta la mitad del siglo XX.
Al parecer, en un estado de obstinación, la fundadora de la Galería GBARTS con sede en Caracas, decidió desahogarse en su Facebook sobre la deficiente forma en que ciertos artistas la abordan y condescendientemente escribió 8 consejos para ellos:
CONSEJOS para artistas que quieren abordar vía mail a un galerista por primera vez:
- No envíe malas imágenes
- No envíe más de 10 imágenes
- Coloque siempre la ficha técnica que acompañe la imagen
- Envíe síntesis curricular no un CV de 4 páginas con foto de cara
- Envíe las imágenes adjuntas en baja, si necesitamos detalle lo solicitaremos
- No redacte el mail tipo yunque, contando la historia de su vida, sea concreto, sólo envié las imágenes, fichas y su información de contacto.
- Anexe las redes sociales al final de la información de contacto
Pero sobre todo: - NO ENVIÉ NUNCA MÁS NADA POR WETRANFER, No los van a abrir"
Más revelador y directo ha sido el comentario de Luis Romero, también galerista y quien añade en el post CONSEJOS para artistas de Gabriela Benaim una serie de comentarios con aportes valiosos, de los cuales rescato:
- No envíe imágenes, no envíe su síntesis curricular y tampoco pierda el tiempo redactando un email o contado la historia de su vida, si no se las han solicitado.
- Use las redes sociales con el fin de que su trabajo se pueda visualizar y quizás pueda conectar con algún galerista o cliente. Si hay interés de alguna galería, no dude que lo contactarán.
- No por el hecho de ser amigo de los artistas el galerista debe incluirlos en su lista.
- Sea transparente y consecuente una vez que esté trabajando con una galeria, no intente hacer el papel de galerista o dealer
- No acepte de coleccionistas (inescrupulosos e inconscientes tratos fuera de la galeria) eso destruye el mercado para su obra.
- Confíe y sea respetuoso con el galerista, que no trabaja con usted sólo, si no con un grupo mayor de personas. Sea paciente, vender arte no es fácil y el mundo no gira en estos días en torno al arte.
- Respete los acuerdos de palabra o escrito a los que hayan podido llegar. La confianza y una buena relación puede devenir en una amistad que va más allá de las ventas y la exhibición. (quizás sea esa amistad lo que va a perdurar y la mejor ganancia).
- Genere complicidad y sea inteligente, proponga proyectos, ideas, será mucho mas productivo y divertido.
Vaya declaraciones ! Desde la perspectiva de los artistas tener acceso a un acto de sinceridad de esa naturaleza es casi un regalo. Pero inspeccionemos entre lineas que nos pueden aportar estos testimonios:
Primero No podemos abordar a un galerista si no tenemos un trabajo sólido y organizada nuestra información.
Segundo Ser claros y directos en quiénes somos, qué hacemos y qué queremos.
Tercero Nuestro material debe ser editado y manejado con altos estándares de calidad.
Cuarto La importancia de nuestras redes sociales a la hora de establecer conexiones y difundir nuestro trabajo.
Quinto Establecer plataformas de comunicación de fácil acceso.
Sexto Participar de varias actividades dentro de nuestro circuito cultural. Hacernos presentes.
Séptimo Proponer acciones que enriquezcan la dinámica de nuestro circuito. Pertenencia.
Octava Para quienes ya tienen una relación con una galería: ser respetuosos de los acuerdos y de las relaciones que se establecen en la industria cultural.
Novena Estudiar las formas de comunicación con el galerista antes de establecer un contacto
El único punto en desacuerdo entre los galeristas está en la forma de comunicarse. En este sentido, me inclino por el criterio de Luis Romero sobre la inoperancia de enviar por email.
En el networking actual y el ataque constantes de spam, el trato por email es eficaz sólo si suceden tres cosas: Es solicitado por el galerista; luego de una conversación personal donde se ofrece enviar por email algún tipo de material; o el galerista se ha suscrito a tu newsletter. Del resto, es un acto de ingenuidad esperar respuesta o si quiera atención a un email enviado por un extraño
Pero lo más importante que leemos de estos consejos, es que no podemos pretender abordar a un galerista, curador o director cultural si no tenemos un trabajo sólido que ya haya transitado por varias capas del entramado cultural y especialmente si no hemos trabajado en nuestro Dossier.
¿Y qué es un Dossier? Es un dispositivo que nos ayuda a ordenar, presentar y comunicar nuestras ideas, obras e intenciones como artista. Es un instrumento de comunicación.
En un mundo saturado de archivos, de imágenes y de propuestas, debemos ser directos, claros y precisos con lo que mostramos y con lo que queremos hacer con ello (exposición, publicación, etc).
Para la elaboración del Dossier es importante establecer su estructura organizativa, recabar la información personal y de nuestros proyectos y utilizar nomenclaturas técnicas precisas cuando se requieran (Fichas técnicas) y una edición bien intencionada de nuestras obras.
En definitiva, un trabajo de comunicación profesional que va más allá de nuestros procesos creativos y de producción artística.
Más adelante, en respuesta a un comentario, Gabriela hace otra declaración fundamental "busca una galería que se vaya con la línea de tu trabajo".
Suena evidente, ¿cierto?, pero es algo que los artistas poco entendemos, o lo entendemos muy tarde. Los Museos, galerías y los espacios independientes tienen sus propias historias, dinámicas y lineas de investigación, por lo tanto los artistas que entran a determinados espacios forman parte de esas características especiales del lugar. Nuestro trabajo no es universal, no se ubica en todos los lugares, de ahí que, nuevamente, más allá de nuestros procesos artísticos, evaluar y estudiar los espacios de exhibición es fundamental para presentar propuestas.
Estudiar el tejido cultural en donde nos desenvolvemos; quiénes son los agentes culturales que lo conforman; quiénes son los directores y curadores; estudiar sus propuestas; qué han mostrado en sus espacios; qué publican en sus redes o de qué hablan en sus charlas. Una vez realizada la investigación tendremos alguna claridad sobre qué, a quién y cómo presentaremos nuestro Dossier para conseguir ser expuestos.
Las galerias comerciales cumplen un papel fundamental en el tejido cultural, construyen el mercado del arte y son conectores e intermediarios entre los artistas y sus obras con los coleccionistas públicos y privados, así como con curadores e investigadores. Pero su principal función es el negocio del arte. Quejarnos, como artistas, que las galerias sólo exponen artistas que venden, no solo revela un desconocimiento de la industria cultural sino una inequívoca falta de formación.
Ahora bien, que producto de sus dinámicas comerciales corporativizadas se distorsionen los trabajos de los artistas, se banalice el arte, se intente homogenizar la producción artística y se excluyan trabajos que proponen rupturas y reflexiones sobre los cuestionamientos contemporáneos, es otro tema, del que debemos estar atentos, pero del que hablaré en otro texto.
Es importante comprender que los galeristas son tan diversos como los artistas, no hay un camino seguro para llegar a ellos. Ellos están ubicados en otra área del tejido cultural desde donde deben emprender acciones para llegar a los coleccionistas y compradores de arte, tarea por lo demás difícil. Pero que revela un entramado profesional al que el artista, por más crazy, intenso y caótico que sea en su proceso creativo, tendrá que entrar por el camino de la comunicación con bases profesionales para que pueda ser recibido y entendido, tanto en el caso de que un galerista se interese en su obra, como del propio artista interesado en exhibir en determinada galería.
Des-hacerse hombre de Arthur Mora
Todos los tiempos son,
para quien experimenta sobre su contemporaneidad,
oscuros.
Giorgio Agamben
En los últimos años, los argumentos sobre la identidad de género, la homosexualidad o la multi exploración de géneros o no géneros, se nos han presentado de formas rabiosas y espectaculares, dejando que la revuelta política y comunicacional nos encandile con su ímpetu y urgencia. Pero ese brillo que han tomado las discusiones sobre lo sexual y sobre la identidad, tiene sombras, tiene oscuridades. Mientras más espectacularizado el discurso, más profunda su oscuridad, más densos sus cuestionamientos, más complejo es identificar sus grietas, sus verdaderos propósitos. Y es la labor de los contemporáneos, como menciona el filósofo italiano Giorgio Agamben, ir directamente a esa oscuridad.
Y es en ese territorio oscuro que el artista Arthur Morar ha decidido explorar, no sin cierto coraje, las grietas profundas de la masculinidad: en sí mismo y en su contexto temporal. Ha problematizado un género cuya estructura ha sido solidificada y constituida por siglos de dogmas culturales, sociales y religiosos, y que cuenta, además, con un sistema de vigilancia y control, como lo menciona a filósofa Judith Buttler, “para que seamos mejores hombres…y que nadie se salga de esos cánones, pues serían sancionados socialmente”.(1)
Las herramientas de Arthur, para generar preguntas y agitar sentidos en torno a lo masculino, han sido: la fragilidad, la inteligencia y una peculiar estética lunar. La serie de instalaciones y esculturas simbólicas que vemos, mediante fotografías, nos aproximan a un encuentro entre lo sólido (cánones) y lo frágil (sensibilidad), fomentado por una postura inteligente, es decir, la revisión pausada, pero firme y directa, de las(sus) dudas sobre lo masculino. Lo que vemos en imágenes es la incertidumbre representada, confrontada a los dogmas que rigen nuestra observación, en un paisaje a primera vista ingrávido, gris, frío, pero que nos invita a re-imaginar, y re-significar la masculinidad desde lo sensible.
Marcel del Castillo. Curador
(1)El feminismo y la masculinidad, desde la mirada de la filósofa Judith Butler, 22 Junio 2021
NTf’s: El aceleracionismo de las imágenes
NTf’s: El aceleracionismo de las imágenes
por Marcel del Castillo
En una esquina neutra, pared blanca y el fragmento de un mueble de madera de una habitación cualquiera aparece @0xlunna, un joven creador de contenido de Tik Tok, para hacernos la siguiente afirmación: “Esta es la estrategia que hace la gente para ganar millones de dólares en el 2022” y en un plano más cerrado nos muestra un post it con tres ingredientes: ”Un Blockchain developer, un artista que lo consigues en fiver o upwork y un Discord moderator”. Luego procede a explicarnos visualmente cómo consigue a cada uno de ellos, incluso al artista y remarca ”te vas a buscar un artista por 50 usd que te haga unas cinco mil o diez mil piezas”.(1) Continúa hablando de la estrategia en twitter y en discord para crear hype, es decir, generar una estrategia que estimule en un consumidor una necesidad inexistente por medio de la creación de expectativas. Y así, en cuestión de un tiempo no determinado por el joven, puedes ganar un millón doscientos mil dólares.
Es en ese momento cuando nos preguntamos qué tiene que ver que el arte esté atado a un contrato inteligente con ser millonario, qué papel cumple el artista en un entorno Tokenizado. ¿El arte toma por asalto a los NFTs o los NFTs toman por asalto el arte? ¿La precariedad de la mayoría de los artistas consiguió el tesoro perdido y el método de hacerse millonario? ¿Se ha formulado el método de la tan narcisista trascendencia artística?. O los nfts representan esa anacrónica idea de autenticidad que existía en el arte pre digital.
Antes de intentar responder a tantas preguntas, podríamos comenzar por ubicar a las NFTs como un desarrollo tecnológico que ha surgido en el territorio de las finanzas y los videojuegos, es decir, no es una figura exclusiva del arte, sino que se usa en múltiples ramas de los servicios y productos de la economía mundial. Sin embargo, socialmente y en el circuito del arte, solemos relacionar en primer término a los NFTs con el arte. Y es justo ahí donde nos ocupa en este texto.
Entonces, re localizamos las preguntas y cuestionamos: ¿los NFTs son un desarrollo técnico dentro del arte para qué? ¿Qué vinieron a solucionar? Según McLuhan, los aparatos y tecnologías son extensiones de las capacidades del ser humano.(Mcluhan, 1964)¿Qué extensión vinieron a amplificar los NFTs? Para Bruno Latour, las tecnologías pueden ser mediadoras(B.Latour.1998). Entonces ¿Qué median los NFTs? ¿Median el mercado, la difusión, median la interpretación de la obra de arte, median su producción?
Cualquiera que sean las respuestas a estas preguntas, debemos establecer que la tecnología como mediación o extensión en al arte, afectará al artista, su creación y su postura, pues la tecnología no es objetiva ni neutral y terminará sesgando al artista, en sus comportamientos y en sus modos de pensar: «Cuando adoptamos una nueva herramienta, también adoptamos sus sesgos». (Nicholas Carr,2019) A estos sesgos Latour lo llama «Un intercambio de propiedades»(B.Latour.1998), pero que es difícil de precisar, pues el encuentro entre humano y tecnología responde a variables económicas, sociales, políticas y culturales. De ahí que como extensión o mediación, los NFTs tienen la posibilidad de aportar al arte y viceversa, de múltiples modos.
Cómo podemos entender esa no neutralidad de la tecnología: en su lenguaje. La tecnología no se escribe solo desde el lenguaje binario o los lenguajes de programación propios. La tecnología es la consecuencia de un lenguaje político y económico. Es un subprograma, es una consecuencia y no una causa. Flusser deja claro esto, cuando se refiere al dispositivo fotográfico: que todo aparato es una programación de una programación y así, sin final (V.Flusser.1990). Específicamente, el aparato tiene una programación inicial de sus funciones y estas a su vez responden a una programación industrial y por consecuencia a una programación de un sistema económico. De ahí podemos deducir, que los aparatos tienen una función social: crean e influencian nuestras relaciones sociales pero desde una jerarquía económico-política, que intenta proyectar o estimular conductas a partir de sus intereses.
Si Latour afirma que los aparatos o los «no-humanos» (B.Latour.1998) como él los llama no son un ente aparte, sino que somos nosotros mismos manifestándose, entonces, la pregunta es, ¿Quienes nos representan como seres humanos para pensar y desarrollar la tecnología?
El punto, en esta discusión, es: los NFTs no responden a un desarrollo tecnológico aséptico y neutral o colectivo y convenido. Responden a una programación que, queriendo o no, intercambiara e influenciara en su contacto con el arte.
Pero, si no es neutral. ¿Dónde podemos ubicar la raíz de su programación político – económica, cuando se relaciona con el arte?
A mi modo de ver, los Nfts entran en la corriente aceleracionista. Es decir, llevar el Me gusta, que ya existe desde la aparición de las redes sociales, a su máximo valor, monetizando o mercantilizando. Ahora bien ¿Cuál aceleracionismo? El planteado por Williams y Srnicek, en su Manifiesto Aceleraciones en 2013, llamado también aceleracionismo marxista, que propone la utilización de todos los recursos del capitalismo, incluyendo la tecnología, a favor de los trabajadores en un primera instancia (como la reducción del esfuerzo y de las jornadas laborales), y el colapso del sistema como fin, para comenzar un nuevo sistema. O el propuesto por el filósofo Hartmut Rosa, según el cual «la aceleración sería un fenómeno inherentemente capitalista, moderno y totalitario que únicamente puede alienarnos y desconectarnos de las experiencias vitales ligadas al mundo material».(2) Creo que en esta primera instancia, en este tiempo, los NFTs tienen las dos posibilidades.
Ahora, detengamos un momento en cuál característica del capitalismo ubicamos este aceleracionismo. El profesor de filosofía Jorge León Casero menciona: «Según Deleuze y Guattari, el principal problema del capitalismo es que si bien aparenta ser una fuerza que desterritorializa y decodifica las relaciones sociales y económicas propias de las sociedades tradicionales…ello es debido a que únicamente lo hace con la intención de volver a re-territorializarlas y recodificarlas dentro de un sistema socioeconómico que se ajuste perfectamente a sus necesidades y objetivos.»(3)
Por consecuencia, podemos hablar que los NFTS buscan re-territorializar el arte, en función de sus intereses económicos. Dentro de esta re-territorialización del arte, las estrategias iniciales en el desarrollo de los artistas en el mundo NFT se han manifestado de dos formas. La primera, como la vimos en el video inicial, donde el artista es un proveedor de mercancía barata (arte) para que en el campo del mercado especulativo se juegue y se explote el capital, donde los artistas de trayectoria, en el mundo físico, compiten con influencers: «nuevos nombres y seudónimos de artistas que no detallan estudios realizados, residencias, premios, colecciones ni exposiciones, salvo apariciones impactantes o flujos virales de sus proposiciones en las plataformas electrónicas”(4). Según publicó en la revista artealdía el curador y galerista Felix Suazo. Y, por otro lado, los artistas con trayectoria, inusitados influencers que entran en una dinámica de mercado financiero: Deben invertir para mintear sus obras, para construir un desarrollo en la web 3.0, coleccionado obras de otros, armar un equipo de manejo y construcción de comunidades sociales virtuales, es decir, se posicionan en una campaña de hiper positividad, cambian sus datos de sus biografías de sus redes sociales por: NFTS artist, collector, y nomenclaturas del cripto mercado, en una suerte de mezcla de discurso evangelizador con promociones impactantes del mundo de los casinos, ofreciendo todo lo que tienen a subasta, rebuscando en sus archivos para subir todo lo que se pueda, con la esperanza que algún influencer se fije en ellos y los haga millonarios de un día para el otro. Y para ello trazan estrategias, ya formuladas por el marketing digital, de creación de una marca personal impactante, su vida privada al desnudo, reuniones en space de twitter, para crear una comunidad donde se alaban mutuamente o una cuenta en Discord donde se ofrecen trucos y regalos, por cierto, conformada por artistas de menor trayectoria, pero, posiblemente, con más ilusiones de formar parte de una comunidad de artistas millonarios. Se ofrecen premios, reconocimiento, trascendencia y comparan sus actividades con momentos icónicos de la historia del arte no virtual, (Sin ni siquiera una revisión crítica de esa misma iconografía) como la fundación de Museos o las más llamativas exposiciones de arte del siglo XX. Pero eso sí, hay que entregar obra, hay que mintear obras y hay que coleccionar obras de otros, en favor de esa colectividad. Es decir, como decía un personaje del programa de tv de humor Radio Rochela en Venezuela en el siglo XX «Hay que tener fé, pero hay que pagar» Y todo esto, en un terreno tan ambiguo como cruel, donde «No se sabe bien si la obra es la concreción sensible del proceso creativo o el código que la habilita para una transacción electrónica. Tampoco se comprende bien si lo que se ofrece es la codificación de una idea, un nuevo modelo de finanzas o un simple registro de propiedad. Oferta y demanda parecen ser la única regla visible. Pero de las cualidades estéticas no se comenta mucho.»(5)
Lo que quiero plantear acá es que una lectura romántica de los NFTs, en el sentido de las facilidades para el desarrollo del arte y de los artistas, es que funcionaran como un gran territorio expandido de creación y producción para el arte. Pero, en las primeras horas, a partir de cuestionarnos el programa político-económico al que pertenecen los NFTs, ha funcionado al contrario: El arte ha sido el territorio expandido del mercado de capitales cripto. O dicho de otra manera, en léxico tecnológico, en el mundo NFTS, el arte ya no es hardware (objeto), pero tampoco software (sentido, pertinencia, estética, información, conocimiento), pues éste ha sido suplantado por el software financiero.(Hype, subasta, riesgo, inversión, crypto, descentralización, etc) Y los artistas han quedado como proveedores baratos, en su gran mayoría precarizados, y por el otro lado, transformados en mercaderes que se auto explotan, en el sentido que plantea Byung chul Han; creyéndose más libres, innovadores, porque son ellos quienes deciden explotarse dentro de una “cadena de bloques descentralizada” y no un patrón “centralizado” quien los obliga. Y, además, explotan a sus colegas menos privilegiados.
El curador Félix Suazo, augura que «allí también habrá críticos, curadores y analistas que dicernirán entre lo significativo y lo banal. Entonces la «cadena» de valor (incluyendo la cuestión artística) estará completa.»(6) Contrario a lo que propone Suazo. Mi parecer, dentro de la idea del aceleracionismo, es que esto marcará definitivamente la zanja, aún ambigua y confusa entre mercado del arte y arte. Y completará definitivamente el triunfo del mercado sobre el arte, al quitarle su objeto y concepto, su búsqueda de sentido, sus enunciados críticos y sus propuestas investigativas y dejándolo desnudo frente al «me gusta» y la vertiginosa campaña de tendencias estéticas que influenciará al mundo. Por lo tanto, no quedan pocas dudas con respecto a quienes les irá mejor en este territorio: a aquellos que logren una auto expansión de su marca personal como producto influencer en la virtualidad.
Pero, también afectará el mercado del arte como lo conocemos, pues, dentro de ese aceleracionismo, se desterritorializará y decodificará para constituirse en otro territorio y códigos en el metaverso, cuyas actividades estarán mediadas algorítmicamente. Y el poder estará en la programación de estos algoritmos, entonces, volvemos a la pregunta incómoda detrás de toda tecnología: ¿cómo sería la ética de quienes desarrollan y programan estos algoritmos y a qué intereses responderán?. Pues, a saber como se están configurando los metaversos: Según Mark Zuckerberg “Imagina un mundo en el que puedas verte representado tal y como quieres ser»”(7) mas no como eres. Se monetizará la cotidianidad traducida en imágenes. El arte competirá con las imágenes de lo cotidiano y de lo absolutamente útil. Las imágenes se convertirán en instrumentos de consumo. Un consumo que nos exige rendimiento, que por consecuencia nos anestesia frente a las imágenes. Un espectáculo exponenciado que «no es conjunto de imágenes, sino una relación social entre personas monetizada por imágenes»(Debord.1969).Y esa anestesia, esa pasividad frente a las imágenes y las dinámicas que las generan y las negocian se manifestará en una incapacidad reflexiva generalizada, dentro y fuera del mundo del arte, producida por la hiperproducción que plantea Mark Fischer en su texto El realismo capitalista.
No ha cambiado nada, desde que Bretrand Russel planteara la difícil relación entre ciencia, política y economía. Si la primera no logra desprenderse del influjo de la segunda y tercera, para lo único que servirá la ciencia, será para aumentar el poder político y económico. Entonces, si la raíz de los NFTs la ubicamos en un extremo del sistema económico; el especulativo y volátil, y se establece como un territorio predominante en la producción artística de los tiempos por venir, el afán estético-especulativo-rentista que ha manifestado el mundo cripto hasta la actualidad, terminará por plegar todas sus propiedades sobre el arte, es decir, la constitución de un nuevo mercado del arte hegemónico, homogeneizador y excluyente (Aumentará la brecha digital, esta vez estimulada por artistas), carente de pausas reflexivas y críticas, donde el valor será la tecnología tras el arte(contratos y cryptos) y las capacidades del artista de convertirse en influencer en la virtualidad. Y por el otro lado, quedaremos a la espera de las rutas alternas que se planteen los artistas. Dentro de ellas, yo remarcaría la figura del Hacker, como un disruptor hipertransdisciplinar que desmonte programaciones (tecnológicas, políticas y económicas) y «rompa cadenas de bloques», desde la deep internet y desde el territorio de la cotidianidad física como espacio de crítica, confrontación y con estéticas propositivas.
(1)@0xlunna, 30 de marzo 2022, How to become a millionaire, #lol, https://vm.tiktok.com/ZMNCAGaBE/?k=1
(2),(3) León Casero, Jorge, 21 de febrero 2022, Aceleracionismo: por un control proletario de las tecnologías de producción, https://www.elsaltodiario.com/el-rumor-de-las-multitudes/aceleracionismo-por-un-control-proletario-de-las-tecnologias-de-produccion
(4),(5),(6). Suazo, Félix, 14 de abril de 2022, NFT, BLOCKCHAIN Y CRYPTOART: REACCIÓN EN CADENA, https://es.artealdia.com/Resenas/NFT-BLOCKCHAIN-Y-CRYPTOART-REACCION-EN-CADENA
(7)Zuckerberg, Mark, 6 de noviembre 2021, El siniestro futuro que imagina Mark Zuckerberg, https://www.lavanguardia.com/vivo/psicologia/20211106/7837693/siniestro-futuro-meta-facebook-mark-zuckerberg.html
-McLuhan, Marshall. (1964)Understanding Media: the extensions of man. (Comprender los medios de comunicación. Las extensiones del hombre). New York. Londres. 1964. Reeditado por el MIT en 1995. Edición en español de Editorial Paidos.
-Latour, Bruno. (1998b). De la mediación técnica: filosofía, sociología, genealogía. En M. Domènech & F. J. Tirado (Comps.), Sociología simétrica (pp. 249-302). Barcelona: Gedisa.
-Carr, Nicholas. 13 Marzo de 2019, Nicholas Carr: “Google socava nuestra capacidad de pensar de manera profunda”, https://elpais.com/retina/2019/03/13/tendencias/1552475304_151069.html#:~:t
-Flusser, Vilém.(1990) Hacia una filosofía de la fotografía, México, Ed. Trillas:Sigma.
-Williams, Alex; Srnicek, Nick (14 de mayo de 2013). «#ACCELERATE MANIFESTO for an Accelerationist Politics» (en inglés). Critical Legal Thinking, https://criticallegalthinking.com/2013/05/14/accelerate-manifesto-for-an-accelerationist-politics/
-El Hermano Cocó, Sketch del programa Radio Rochela, (1959-2011). Creado por Tito Martínez del Box, producida por Radio Caracas Televisión c.a.
-HAN, Byung-Chul (2013), La sociedad del cansancio, Barcelona: Herder Editorial.
-Fisher, Mark (2016), Realismo capitalista ¿No hay alternativa?. Argentina, Caja negra editora.
-Debord,Guy,(1967) La sociedad del espectáculo, Argentina, Ediciones Naufragio 1995
-Russel, Bertrand (1924) Ícaro o el futuro de la ciencia, España, Ediciones KRK, 2005
¿Qué imágenes debo colocar en mi portafolio de fotógrafo?
Hemos hablado de la importancia del portafolio o Dossier profesional para afianzar y proyectar nuestro trabajo sea en el campo artístico o el comercial. En textos pasados hablamos de cómo abordar los textos de la biografía y los Statements. Hoy queremos repasar algunas ideas y precisar sobre la importancia de cuáles y cómo presentar las fotografías en nuestros portafolios.
Consideraciones para la construcción de un portafolio fotográfico:
- Lo primero que debemos determinar es el objetivo de nuestro portafolio. ¿Una Beca? ¿Un concurso? ¿Un Trabajo? Cada objetivo puede modificiar sustancialmente cuáles y cuántas fotografías y cómo construir un orden.
- El portafolio debe transmitir de forma clara y honesta nuestro interés, intenciones y qué nos puede hacer particulares en la fotografía. Pero ciertamente, antes de comunicarlo debemos reflexionar mucho al respecto para saber cómo nos desarrollaremos dentro de ese campo de forma segura y sin ambiguedades.
- La fotografía no es un fin en si mismo. Es una herramienta para mostrar, hablar o expresar algo. Es en ese algo donde se establecen espacios para reflexionar y profundizar. Para ello debemos fortalecer la mirada y en el portafolio colocar las imágenes que vayan en esa dirección.
- Nuestra pasión o acercamiento romántico por la fotografía suele ser un proceso por el que pasamos TODOS. De ahí que no sea importante ni novedoso transmitir eso. Más bien hay que apuntar a particularidades, como por ejemplo: Mediante la fotografía establezco relaciones entre el poder politico y la sociedad… La fotografía me permite establecer un diálogo entre mi cuerpo y la psicología… La luz natural es la base de mi trabajo fotográfico de moda para … y un largo etcétera
- Hay que identificar qué es lo que queremos decir con nuestras fotos. Ese es un proceso lento. Hay que estudiar, investigar y experimentar con la práctica fotográfica. Eso nos permitirá darle forma y canalizar nuestras ideas antes de presentarlas a un tercero.
- Debemos enfocarnos en las imágenes que más se acercan a eso que nos mueve dentro de la fotografía. De alguna manera TODOS tomamos mucha fotos de muchas cosas y seguramente nos quedan muy bien. Pero a la hora de mostrar un portafolio debemos ser específicos sobre el tipo de trabajo que nos mueve, que nos motiva y del cual queremos desarrollar más proyectos y conseguir conexiones profesionales
- Nos encontraremos revisores con tendencias hacia lo técnico y otros con tendencia hacia los temas e ideas. Así que las imágenes que seleccionemos deben contener un equilibrio y coherencia entre la calidad técnica y los temas que se tratan en ella.
- Limitar la cantidad de imágenes a presentar. Ser preciso y directo con lo que queremos mostrar. El número mágico está alrededor de las 20 fotografías.
- Presentar cuerpos de trabajo temáticamente unificados y coherentes.
- La edición y la secuencia de las imágenes es muy importante para que el revisor entienda y experimente nuestro trabajo. Mantener una secuencia firme desde la primera hasta la última imagen.
- Experimentar con la secuencia de las imágenes: ¿cuál mostrar primero?, ¿cuál de última?, ¿qué sucede si muestro dos juntas?
- Incorporar fichas técnicas y textos, como fecha y lugar, cuando estas den sentido o información relevante para entender la fotografía.
En definitiva, las fotografías que integran un portafolio profesional pasan por una selección y edición, como si de un proyecto se tratase. Deben dejar claras nuestras intenciones, exponer nuestras particularidades como realizadores, expresar qué queremos decir con nuestras fotos, y qué nos mueve hacerlas.
Uno de los editores y revisores de la agencia Magnum, Emin Özmen, escribía hace poco que "No se trata solo de las imágenes que tomamos, sino que debemos aprender la mejor manera de contar la historia, captar el interés del revisor; cuál es el tema; por qué empiezas a trabajar en ese proyecto; por qué es importante y cuál es la importancia de ese trabajo para ti. ". Esta conseja resume de manera categórica cómo debemos afrontar la selección de imágenes y el orden en el que deben ser presentadas.
Por último, no hay que olvidar que los portafolios son para ser vistos por otras personas, así que un buen ejercicio y un paso de madurez profesional es mostrar nuestro portafolio a colegas o solicitar asesorías en la elaboración de portafolios. o una asesoría de revisión de imágenes para mi portafolio