Polaroid de locura fotográfica #1 (La vida según Instagram)
"Yo que sentí el horror de los espejos
no sólo ante el cristal impenetrable
donde acaba y empieza, inhabitable,
un imposible espacio de reflejos"
J.L. Borges
Recientemente y gracias a la adquisición de un nuevo teléfono celular, renové mis votos con la aplicación INSTAGRAM. No es que no la usara, pero subía una foto de vez en cuando, la lentitud de mi Iphone4 me hastiaba a la hora de tomar la fotografía, procesarla y cargarla a la aplicación.
Así que, con nuevo aparato y un viaje en ciernes, retomé el hábito de tomar fotografías y compartirlas en las redes. Pero no fue tan fácil como la primera vez hace ya dos o tres años, los tiempos van cambiando cada vez más atropelladamente, y no sólo un Iphone4 va camino a la obsolescencia hoy día, sino que las motivaciones de una red social de imágenes como Instagram han cambiado. Y lo digo desde la experiencia propia y ajena. Al estudiar el time line de otros fotógrafos y amigos ya comienzan a erigirse nuevos planteamientos de uso, e incluso del tipo de imágenes que subimos a la red.
Como le he dicho en otras ocasiones, aplicaciones como Instagram representan el nuevo canon de lo digital. Quebrando la forma en cómo la aplicamos y el acceso, movilidad y exhibición que podemos tener con ella.
Ya en mi nuevo destino, completamente enamorado de la arquitectura y las calles de Zacatecas en México, comenzó la tormenta de fotografías que tomaba velozmente con mi celular. Pero a la hora de subirla a las redes, ya no era como antes, tomar foto y subirlas y así cientos de veces. Ahora, quizá en la pausa de una café o un vino, y aprovechando el wifi del lugar, comenzaba el momento de releer las fotografías en el móvil, practicar una edición y seleccionar la fotografía que iba a Instagram, es decir, publicar en la red hoy día, pasa por un proceso de edición-selección, antes de llegar al laboratorio de los filtros y su distribución al mundo.
Pero ¿por qué una edición? ¿quién va a ver esas fotografías? ¿Es que acaso el Instagram es un nuevo espacio para desarrollar un discurso visual, que va más allá de una idea o proyecto, sino que devela las intenciones de un autor en un período extenso de tiempo? o ¿sólo un reflejo de nuestra vida cotidiana en la red? El público al que va dirigido, ¿Dedicará el tiempo para estudiar el time line del fotógrafo? o por el contrario son espectadores de UNA foto, y sentirse jueces para darle un Like o no, es suficiente.
¿Qué fotografía subo de Zacatecas? La foto espectacular de la catedral, que ya han tomado millones de veces y esta en los catálogos turísticos o subo la foto que represente mi discurso, que se acerque a las ideas que he expresado en otros proyectos autorales.
Me cuestionaba si mi actitud debía ser la de M. Gustave en el Gran Hotel Budapest, donde sus acciones e ideas sobre como hacer su trabajo en el hotel, era una actitud de vida en todos los aspectos y lugares donde se encontrase. O por el contrario debía ser la actitud de Rocky Balboa, que fuera de los cuadrilateros valía cualquier cosa, pero una vez montado ahí con el oponente en frente, entraba la estrategia, la pasión y el ejercicio.
Entrados ya en la pelea y el Boxeo, ¿Será entonces un enfrentamiento entre, como los ha denominado el Maestro Wilson Prada en su reciente libro "Miradas ajenas", el Fotografiante y el Fotógrafo?.
En definitiva, lo complejo de un proceso en desarrollo y además efímero como lo es la segunda generación de fotografía digital y el espacio 2.0, donde no existen reglas claras, ni existirán. Nos obliga a estudiar a los usuarios, quienes serán los que determinen el uso y la tendencia , así como la vida y la muerte de esta aplicación.
Y así ha nacido la intención de esta columna mensual, Polaroid de locura fotográfica, parafraseando a Fito Páez. Nos inmiscuiremos en esa locura que es el time line de algún fotógrafo latinoamericano, para tratar de conseguir los reflejos de los que habla Borges ¿Acaso el Instagram es un espejo de nosotros?
Instagram : @MarceldelCastillo
El "Espacio Individual" en la fotografía de Erin Lee
Erin lee llegó a Venezuela como seleccionada para la primera Residencia Internacional para fotógrafos EspacioGAF.com, en el marco del Festival de Fotografía MERIDAFOTO, el más importante del país.
Ella, de Nueva Zelanda, con un español casi perfecto, debido a sus más de tres años de vivir en ciudad de México, llegó con la expectativa de desarrollar un proyecto fotográfico que abordara el tema de las diferencias geográficas y urbanísticas en la ciudad de Mérida, donde se desarrollaría la residencia.
Desde lejos quizá era un interesante tema, que incluso me pareció novedoso para la ciudad. Pero carecía de un apoyo emocional o una narrativa. En mi primer encuentro como tutor de su residencia y para entender mejor sus argumentos para desarrollar el tema, preferí dejar que las imágenes hablaran y que su contacto con una realidad tan distante, la sensibilizaran o le movieran alguna fibra para desarrollar un tema en particular. Es así como dedicó casi dos semanas a fotografiar casas en distintas zonas de la ciudad.
"Mi idea para la residencia en Mérida empezó mas como un estudio del urbanismo en una ciudad construida en una meseta que ya no tiene opción para expandirse, y cuáles serían los problemas que genera esa situación. Quería retratar la gente que vive en diferentes partes de la ciudad, las formas geográficas de la zona y cómo eso ha afectado la manera en que viven sus habitantes." nos cuenta Erin.
En efecto, su sensibilidad por los temas sociales, que podemos ver en sus trabajos previos, revelaron en ella que había que profundizar, pasar de la descripción de lugares o arquitecturas a narrar algún tipo de historia, que ella en su trabajo de campo fue descubriendo y la iba sensibilizando.
Es así que en nuestra reunión de revisión de trabajo sus imágenes pasan de lo genérico a lo íntimo en las fotografías, y logra involucrar ideas o emociones propias, en espacios físicos que son totalmente ajenos a su vida cotidiana. Es decir, logró identificar en el cuarto de un campesino de los andes venezolanos, una conexión con una idea que le ha venido rondando la cabeza desde que salió de su Nueva Zelanda natal, en su paso por Australia, Nueva York y ahora México y que suele afectarla emocionalmente: El espacio propio.
Por lo tanto, ya sus fotografías problematizaban la construcción del lugar propio, íntimo. Ese lugar que te define como persona. Ese entorno humano que creamos a partir de huellas objetuales, se una habitación o una casa completa.
Erin se acercó a esos paisajes internos copados de detalles, elaborados con sensaciones, recuerdos, materiales utilitarios o decorativos, que le removían su incapacidad, durante los últimos años, y el paso por tanta ciudades, de haber construido un espacio propio, su lugar en el mundo. Ese viaje a las casas de los Andes y la captura de ellas en fotografías desmantelaron una carencia que llevaba en lo más íntimo.
"Cuando entré a las casas y conocí la gente, lo que vi fue la importancia de tener una base, la protección que ofrece un lugar con una conexión emocional, donde uno se pueda sentir cómodo y ser uno mismo"
Las fotografías que forman esta serie, hablan entonces de personas. Justamente la ausencia de ellas fortalece la idea de como en nuestro paso por un lugar, somos capaces de dejar una huella individual, que podemos observar en objetos, en el orden de las cosas, e incluso en sensaciones que la fotografía no nos permite percibir, que son los olores y las fragancias, pero que en estas imágenes de Erin, en algunos casos, podemos sentir el olor a madera o de productos de limpieza en habitaciones impecables.
Ahí esta el touch de este proyecto "Espacio individual"; contarnos sensaciones, contarnos historias de personas, que no aparecen explícitamente. Son fotografías que obligan al espectador a imaginar, a crear los personajes en función de pistas, de detalles y de huellas.
La piel del autor en MERIDAFOTO
Los nuevos tiempos con sus velocidades y su aparataje tecnológico han marcado, ya podemos decirlo a estas alturas del siglo XXI, una profundización del discurso y del lenguaje dentro del arte fotográfico, dejando de lado el preciosismo modernista. La exploración y experimentación de todos los elementos narrativos a disposición de los autores, desde la investigación, el tema, hasta la técnica con sus formatos u ópticas, por ejemplo, esta sellando, luego de comenzar a florecer hace más de una década, una nueva mirada dentro de la fotografía universal, y dejando inocuas las discusiones técnicas o de géneros.
Pero, por más universal que sea esta nueva forma de mirar o de acercarse a las historias para ser contadas en imágenes, su primer baluarte es lo íntimo, lo personal, las emociones que se mueven alrededor de un tema. La intención de objetividad ha quedado desnuda y sin argumentos.
Y esa ha sido la idea sobre la que se ha construido el Festival MERIDAFOTO y el Salón nacional de proyectos fotográficos ESPACIO GAF. La creación del discurso visual. Pero no sólo desde la participación, mediante convocatoria nacional, sino desde lo didáctico, con los foros y charlas y desde lo humano con los encuentros, abrazos y alianzas.
Esta tercera edición viene cargada de esa emocionalidad. En una mirada somera por todos los participantes hemos visto como se van acercando a eso de poner la piel en los temas que abordan. Desde los más abstractos, pasando por los sociales hasta los más íntimos, las imágenes nos develan un autor, un ser expresándose con libertad.
La selección del valioso jurado compuesto por Efraín Vivas, Alejandro Cartagena, Lunes Rodríguez, Yuri Liscano y Alberto Asprino, quien además dispuso de una curaduría y museografía, avalan las palabras que expresamos en este texto. Cada uno de ellos en su disposición a participar y construir el festival revela sus talantes de artistas, de seres humanos comprometidos con los nuevos lenguajes, y con las artes de Venezuela. Mi agradecimiento total a ellos y a todos los que se atrevieron a participar y enviar sus imágenes cargadas de ideas y almas.
SADO (Arg), Colectivos de fotografía en Latinoamérica (VI)
El colectivo fotográfico SADO nace en la ciudad de La Plata, Argentina, en octubre de 2014. Formado por los fotógrafos: Sebastian Losada, Vanina De Acetis, Nico Freda, Paola Buontempoy Andrea Raina su territorio es el sur de la provincia de Buenos Aires. Ahí se juntan y quieren contar con imágenes su realidad, más allá del fotoperiodismo.
Con poética y una narrativa floreciente, estos jóvenes dicen ser : "conscientes del arma que cargamos, si la sabemos usar" ..."Trabajamos bajo las bases centrales de la emoción, el sentimiento profundo que nos une con nuestros hermanos, nuestras raíces y el amor como bandera principal en la praxis del presente para cambiar el futuro."
Sus proyectos como colectivo ahondan en la temática social, en la realidad que los habita y rodea. Son problemas de la contemporaneidad en cualquier parte del mundo: Discriminación sexual, corrupción judicial, abandono social, promesas políticas incumplidas y un largo etc. pero ellos no quieren que estos hechos pasen al olvido, como quien tira a la basura el periódico del día anterior, como si eso reseteara la memoria. Ellos quieren que esas luchas, conflictos y situaciones perduren en quienes ven sus fotografías. Y aún más allá, quieren estar al lado de los que han vivido sometidos por la tragedia o la discriminación.
Paul Strand decía "El fotógrafo documental dirige su cámara hacia el mundo real para registrar su autenticidad" y eso sentimos claramente en los proyectos de SADO. Una fotografía con compromiso social, con la realidad buscando una autenticidad a la que, según ellos, los mass media locales no dan la importancia adecuada.
En Series, como "A dos 2 años de la peor Inundación de La plata. Seguimos inundados" o "Marcha de la disidencia sexual" podemos apreciar la utilización de un lenguaje visual más complejo, con el uso de simbologías y textos, que elevan su trabajo más allá del registro, para ser un mensaje, una idea, un discurso que se mantiene en el tiempo, aunque vayan variando los hechos reales.
Ellos se definen: "Somos SADO, somos el placer del displacer, somos la luz que nos parió y amamos por sobre todas las cosas a nuestra tierra, nuestra casa".
Sigue los pasos de este colectivo AQUI
Camarón (Arg), Colectivos de fotografía en Latinoamérica (V)
Continuando con nuestra serie de entrevistas a colectivos de fotografía latinoamericanos, nos conseguimos con Camarón. Colectivo de fotografía que nace en la ciudad de Rosario, Argentina hacia 2011, por un grupo de estudiantes de fotografía con la inquietud de trabajar la imagen más allá de lo individual y lo coloca en el proceso colectivo, no sólo en la realización, sino también en la incorporación de las comunidades y los espectadores.
El grupo de realizadores esta formado por Germán Aponosovich, Soledad Fontana, Andrés Mancera, Virginia Mazza, Cecilia Prestigio Vanni, Santiago Rocca, Maria Laura Pastorino y Gabriela Muzzio.
¿Cuándo comenzó Camarón?
El proyecto empezó a gestarse en el 2011. durante ese año y el siguiente dimos forma al proyecto y la construcción del camarón. Nos conocimos compartiendo un taller con Norberto Puzzolo, algunos nos conocíamos de antes. Cada uno de nosotros venía de distintos lugares y experiencias colectivas y territoriales alrededor de la fotografía y otras prácticas. a lo largo de dos años que participamos en ese taller se fue gestando la idea de encarar un trabajo conjunto, que fuera colectivo entre nosotros y también colectivo hacia afuera. El hecho de que tengamos experiencias diferentes fue otorgando una diversidad en los ejes que nos propusimos trabajar.
¿Qué otros colectivos o fotógrafos son sus referentes?
Grupo de Arte de vanguardia (Rosario), Asociación de Fotógrafos independientes (A.F.I. Chile). Experiencias contemporáneas como Fundación Ph-15, SubCoop, M.A.F.I.A., Midia Ninja, trabajos contemporáneos como el de Miguel Chikaoka de Brasil, Abelardo Morell y David Hockney, y otros.
En cierta forma, buscamos nutrirnos de experiencias grupales, colectivas, territoriales, sociales y también de búsquedas estéticas. Intentamos generar un trabajo que pueda reunir distintas características de todas esas referencias.
¿Por qué les interesa la producción fotográfica colectiva?
Del mismo modo que decimos (más arriba) de trabajar colectivamente hacia dentro y hacia fuera del grupo. Nos interesa generar y trabajar vínculos, tanto entre nosotros como con las personas que van siendo parte del desarrollo de cada actividad.
El interés sobre la fotografía colectiva pasa por involucrar a las personas en la construcción de Memoria, no tanto de la experiencia en sí o sólo de la foto que se construye, sino de lo que la vivencia de un momento compartido dispara a cada uno respecto del lugar donde se encuentra, las personas con quienes comparte y, por qué no, lo que se está fotografiando en ese momento, los recuerdos que puede traer, la sorpresa de una visión nueva.
¿Qué respuesta reciben de parte de los que participan?
La gente se engancha mucho, encuentra cosas que la sorprende, que puede ser la visión de la imagen dentro de la cámara oscura o el proceso de revelado y, sobre todo se engancha con el hecho de generar entre varios una imagen. Las actividades que llevamos hechas han sido en lugares muy diferentes y siempre nos encontramos con personas que les surge algún recuerdo y que experimenta diferentes sensaciones. por ejemplo cuando trabajamos con retratos, la imagen de la persona vista desde adentro de la cámara genera siempre una sensación muy fuerte, resulta una imagen muy real, muy definida, pero que está patas arriba. Esto puede resultar superficial respecto de los objetivos sobre los que trabajamos, sin embargo son detalles que conforman el universo simbólico que proponemos en el sentido de plantear una experiencia sensible como eje y disparador de reflexiones alrededor de la imagen y de la vida en sociedad.
¿Qué experiencias han realizado hasta ahora?
Invitados por la Escuela de Experimentación en Cine y Fotografía, trabajamos con niños y adolescentes en la actividad "Cartón Lleno" en el CMD Noroeste.
En articulación con Programa Andrés Rosario trabajamos en barrio Cabín9, Casa del Estudiante, y con dos talleres de Salud Comunitaria.
Fuimos invitados a la XI Bienal Argentina de Fotografía Documental en Tucumán. Allí, en articulación con Ph-15 Tucumán hicimos una actividad en Barrio Don Bosco y en la peatonal Muñecas del centro de la ciudad.
Invitados por el Programa Jóvenes y Memoria trabajamos en el Museo de la Memoria Rosario con jóvenes de distintos barrios de la ciudad.
¿Cómo se sustenta el proyecto?
Camarón es un proyecto autónomo y de gestión colectiva. Trabajamos articulando con organizaciones civiles y del estado, nos presentamos a concursos, subsidios y becas, en los próximos días presentaremos un proyecto de Crowfounding.
Síguelos en Facebook.com/camaronrosario
y en el Instagram @Camaronrosario
Pedro Meyer “¿Por qué no todo el mundo tiene derecho a aprender hacer imágenes como aprendimos a leer y a escribir?.”
FOTOCLICK #4 | Pedro Meyer
Por Marcel del Castillo @mardelcastillo
Pedro Meyer “¿Por qué no todo el mundo tiene derecho a aprender hacer imágenes como aprendimos a leer y a escribir?.”
Desde que cuadramos vía telefónica un encuentro en su casa de Coyoacán en México, mi impresión sobre Pedro Meyer comenzó a mutar. En mi predisposición, de que iba a contactar a un personaje que lleva tras su espalda un peso importante de la historia de la fotografía mexicana, imaginaba toparme con un muro de secretarias o asistentes tipo cortafuego que evitara la comunicación directa con él. Esa fue mi primera impresión equivocada. Al otro lado del teléfono ya lo tenía preguntándome como estaba, que era lo que quería exactamente. Tras mi trastabilleo inicial, le pedí tiempo para poder realizarle la entrevista, y rápidamente me respondió: te espero en mi casa el lunes tal a las 4 de la tarde.
Se cumplió el desgastado lema de, “cuidado con lo que quieres por que lo puedes conseguir”. Inmediatamente caí en cuenta en el aprieto que me había metido.
Comencé a preparar los temas que me interesaban como autor y editor: la fotografía contemporánea latinoamericana, la relación fotografía-tecnología y su extenso trabajo como promotor y educador de la fotografía a través de la Fundación que lleva su nombre y el Foto Museo Cuatro Caminos.
Unas semanas después, viajaba por el tan mentado metro del DF, tomando fotografías (irónico que las autoridades no permitan tomar fotos) y caminando por las coloniales calles de Coyoacán, esperando el tiempo exacto para llegar a la casa de Don Pedro Meyer.
El mismo nos recibió en la sala de su casa, con café y una torta especial de suave sabor como abreboca de una conversación que empezó por un camino sinuoso. Y es que bajo los efectos de una pretendida conversación teórica sobre la fotografía contemporánea y latinoamericana con un maestro latinoamericano de la fotografía, redacté unas preguntas que rebotaban en frases cortas y tajantes, tan rápidos como jugador chino de Ping Pong, que no me daban tiempo de reaccionar, al mismo tiempo que mis preguntas de agotaban en los primeros 7 minutos de conversación
¿Que hace que una imagen este en un museo o una galería y millones desaparezcan?
Son tantos los factores. Es la sobrevivencia de las especies que hace que sobreviva una especie más que otra. En el medio intervienen muchísimos elementos : la relevancia del material, del autor, lo que el autor tiene que decir, por ejemplo, alguien que tomó una foto maravillosa pero ya no tomó más desaparece, pero alguien que es consistente aparece.
¿Cómo un proyecto fotográfico puede llegar a ser relevante?
¿Para quién ?
Para el stablischment del arte
Es que el stablishment del arte no es el único destinatario de la obras, eso ya ha sido sobrepasado con el advenimiento de la nuevas tecnologías, se han desvirtuado todas la estructuras de poder tradicionales. Un proyecto ya no pasa por todas esas estructuras y canales tradicionales
¿Y relevante para Pedro Meyer ?
Son varias cosas. Uno, la calidad del trabajo mismo, o sea, que tan bien esta hecho. Luego que tan bien esta el argumento de lo que quieren comunicar . Y me refiero a técnica, a cómo esta impreso, cómo esta iluminado, cómo esta escogida la escena, es decir, hay muchas cosas donde te das cuenta si el fotógrafo tiene oficio o no sabe lo que esta haciendo o le salió así como de casualidad.
Quisiera entrar en el tema de la fotografía contemporánea …
¿Cuál? porque toda fotografía es contemporánea. Cómo puedes tomar una foto que no sea contemporánea. Los críticos cuando ponen: “este era un fotógrafo de su tiempo" ¿ y cómo puede ser un fotógrafo que no es de su tiempo ?
Pero, más que un tema de tiempo, me refiero a esa fotografía que es una herramienta del arte contemporáneo, del arte conceptual
El arte conceptual ni es arte ni es conceptual, son ocurrencias, no es un concepto. No soy muy amigo del arte conceptual. En general pienso que es una tomada de pelo de todo mundo, hasta los artistas de si mismos, que se creen su retórica y que creen que sus masturbaciones mentales son el equivalente de arte.
Hablando de fotografía latinoamericana…
¿Cuál Latinoamérica? te refieres al mexicano que esta viviendo en Estados Unidos , porque entonces lo que esta pasando en Estados Unidos con la policía de allá es también fotografía latinoamericana o para ti fotografía latinoamericana es nada más lo que esta pasando en Venezuela o un gringo que va a tomar fotos en Venezuela es un fotógrafo latinoamericano. ¿Me entiendes? Nosotros le aplicamos el término de fotografía latinoamericana a un enjuague que no entendemos. Hace 40 años si se podía entender porque era del Río Bravo para abajo y se acabó, era como mucho más primitivo
Entonces sería como inútil en estos tiempos hablar de una identidad de la fotografía latinoamericana o identidad de una fotografía mexicana o argentina
Mira, todas esas definiciones... ¿identidad argentina? ¿eso quiere decir qué? Los argentinos en Argentina o los argentinos que tomaron fotos fuera de Argentina o latinoamericanos que están en Argentina y tomaron fotos ahí. Entonces, cuales de estas variables es la fotografía argentina o que hace que una foto sea argentina o argentinesca. Podemos hablar que un autor hizo un ensayo de determinada manera y captó un espíritu muy argentino, pero hablar así en términos generalizados es invitación a decir tonterías
Yo he tenido exposiciones en Estados Unidos de fotos que yo he tomado en ese país, eran fotos de Chicago y un critico dijo: “es fantástico como se parece México a Estados Unidos, hasta los letreros estaban en inglés” y el pie de foto decía: esta tomada en Chicago. Pero como yo soy fotógrafo mexicano al señor no se le ocurrió de que podía no haberse tomado en México.
Le parece innecesario entrar en definiciones o clasificaciones
..Si…es como me invitaron hablar en una ocasión, hace poco, sobre la fotografía documental, y lo primero que dije fue, bueno, la fotografía ya no es lo que era antes y lo documental tampoco, entonces ¿de que hablamos? Todo esta cambiando a una velocidad impresionante y alguien quiere detener en un momento determinado esas transformaciones, como si todo lo que esta ocurriendo no esta pasando, no se puede, es que no va a hacer mañana lo que es hoy en este momento.
La historia dice de Pedro Meyer, que es precursor y promotor de los tempranos usos de la tecnología digital en la fotografía. En su momento, Meyer no tuvo ningún pudor ni miedo de utilizar la tecnología digital para sus fotografías, cuando las cámaras no llegaban ni al mega de resolución. No se deja arropar por el dejo de nostalgia, que uno siente de los grandes fotógrafos de las décadas pasadas. Entre otros logros se le endilga ser el primer creador de un Cd Rom multimedia en el mundo en 1991, desarrollar el portal web de fotografía Zone Zero en 1995 cuando la conexión a internet era por dial up, y de declarar desahuciada la película hace más de 10 años.
¿Cómo ve hoy día la aproximación de tantas personas a la fotografía, gracias al desarrollo vertiginoso de la imagen digital?
Tenemos herramientas hoy en día que hacen que cualquier persona apriete un botón y le sale la foto, no tienen que saber de fotografía, escogen la luz y esto, aquello, el foco y apretan un botón y sale. Cuando yo empecé en la fotografía a quien le saliera la mitad de un rollo era profesional, porque no había ni exposímetros ni nada y luego fueron poco a poco incorporándose diferentes elementos para hacer que fuera más sencillo. Hoy en día, esa cámara que tu tienes (FUJI X 100) ya es antidiluviana con respecto a las que están saliendo hoy, porque tu en esa no puedes apretar un botón y ya se conecta a la internet, es decir, tu no puedes mandar directamente a Facebook una foto. Las nuevas cámaras de 35mm si te lo hacen. Son brincos enormes, pero que crees, las nuevas cámaras, la tecnología para el 2020 donde todas las cámaras que en Japón se usen para la Olimpíadas, tienen que poder filmar a 8K ¡8 millones de pixeles por cuadro! A 120 cuadros por segundo en formato Raw. Ahora yo te pregunto, un cuadrito de estas cámaras de video de 8 millones de pixeles de los cuales tienes 120 por segundo y lo tienes en Raw. Es decir 120 fotografías de una misma escena. Pues ya para que tomar foto fija y entonces ya nada más estas tomando video. Ahora, si ya nada más estas tomando video todas tus preguntas sobre fotografía están obsoletas, ya cambió todo, y estamos hablando de aquí a cinco años me entiendes, esa es la dinámica de lo que esta pasando en la fotografía.
Pero, a pesar de todos eso avances, actualmente muchos autores apuestan por los procesos antiguos: el daguerrotipo, la película, el copiado y la selección de papeles. También esta muy fuerte la producción de fotolibros. En algunos casos es una forma de desmarcarse de este mundo digital accesible a todas las personas.
Es que es muy chistoso porque se quieren desmarcar haciendo lo que ya ha hecho todos. Si a ti te gusta hacer una comida rica de espaguetti, porque tienes que preocuparte si hay otra gente en el mundo que también le gusta el espaguetti. Lo importante es lo que tu quieres hacer, lo que tu estás disfrutando y lo quieres disfrutar con tus amistades, no tienen que ser los únicos espaguettis en el planeta tierra para ser algo suculento, agradable y grato. ¿Quieres educar? bueno ¿a quienes quieres educar? esas ideas mesiánicas de que quiero cambiar al mundo con mis fotos, no va por ahí la cosa, No existe la foto que haya cambiado nada, ni antes, ni ahora, ni será en el futuro
Si alguien en Venezuela se le ocurre decir: “voy a tomar la foto emblemática que va a cambiar el destino final y futuro de Venezuela” Pues no.
Ya en estos primeros cuestionamientos, Meyer nos deja claro su pensamiento crítico sobre las clasificaciones de la fotografía contemporánea o latinoamericana en sus rasgos más generales dado el atropello furtivo de la tecnología que todo lo agota, todo lo modifica, y que acelera la edad de obsolescencia de algunos conceptos ligados a la fotografía.
Acabado este round, me quité el traje de editor, y pasé a mi faceta de realizador, de fotógrafo, y me recosté sobre el sofá, comencé a tutearlo con ganas de disfrutar una conversación fresca y amigable con un visionario. Y más allá de sus ideas y conceptos sobre lo que acontece, quise entrar por el camino de la experiencia personal, de cómo asume en sus proyectos el tema de la tecnología y los nuevos tiempos de la fotografía.
En su momento, apostó por la tecnología en tiempos donde nadie se arriesgaba hacerlo porque era un mundo desconocido. ¿Cómo cambió tu fotografía?
Bueno, debo decirte que “en su momento” sigue siendo “su momento”, nunca ha dejado de ser. Evidentemente porque la tecnología ha cambiado. Aquí tengo este celular (iphone6) que hace 7 años no existía, ¿te das cuenta de lo que significa que billones de personas hoy en día toman fotografías con un aparato que no existía hace 7 años? Dime que empresa o que proyecto pudiera haber pensado, que nos pone a todos a querer ser fotógrafos en 7 años. Son cambios sísmicos, sucedió y ocurrió, solo te vendían el iphone sin instrucciones porque somos seres humanos muy orientados a lo pictórico, entonces, cuando ofreces una tecnología en donde el precio es correcto, o sea, no cuesta, el precio de tomar una foto es cero.
Yo me interesé en la fotografía digital, uno, porque soy muy flojo y toda tecnología que nos deje hacer las cosas más sencillas y más baratas, que crees, yo soy cliente, pero tu también y todo mundo, no es gran ciencia, la diferencia esta en que yo me di cuenta a los 10 minutos y otros se han dado cuenta apenas ahorita después de 25 años, porque se la pasaron defendiéndose de la posibilidad de hacer eso porque les daba miedo, a mi no me da miedo, a mi me encantaba y ya es tan simple como es eso.
¿Modificó lo que contabas, lo que querías decir con fotografías?
Todo modifica todo. Hoy el hecho de poder tomar fotos a todas horas y en todos los lugares cómo no va a modificar. Que hoy en día la gran mayoría de gente todavía no sabe contar, si. Puedo tomar video y sonido, ¿cómo no va a cambiar la posibilidad de contar una historia?
Pero persisten muchos prejuicios entre fotógrafos sobre los nuevos desarrollos, las funciones automáticas, etc
La mayoría de los chicos que defienden los analógico a ultranza, no aguantan 5 minutos discutiendo sobre el tema tecnológico, más allá de clichés. Alguien que realmente conozca a fondo las nuevas tecnologías y luego escoge hacer otra cosa, mis respetos. Pero alguien que escoge analógico y la defiende a ultranza por ignorar el desarrollo tecnológico, no se merece mi respeto.
¿Que presencia tiene la fotografía en tu vida? Desde afuera estudiando tu obra y tu trabajo, tanto a nivel de autor, como educación, como de desarrollo tecnológico, a mi me da la impresión que 24 horas. Pero que tiene la fotografía en el día a día para Pedro Meyer
Pues yo creo que mi salud mental, tan sencillo como eso. Porque yo siempre estoy fotografiando, porque es una manera de vigilarme y de descubrir y de ver como se ven las cosas y me deja muy satisfecho el poder hacer una imagen que me agrada, que me informa, que me intriga, que me permite compartirla.
Mi archivo fotográfico que esta en red tiene medio millón de imágenes. Durante décadas estuve fotografiando todo el tiempo sin la urgencia de compartir ni de publicar, ni de nada. Era de hacer las imágenes y ya. En algunos casos pasaron 30 o 40 años para que se dieran a conocer ciertas fotos que había tomado pero pude esperar 30 o 40 años para publicarlo, hoy me tengo que esperar un minuto y me dieron tanto gusto aquellas como esta.
Esa foto que ahorita te tomé yo voy a curarla y la puedo subir al internet y en 15 segundos esta publicada y en 20 minutos hay 50 gentes comentándola. Y cuando hice fotos a lo largo de toda mi vida muchos ni se enteraron que la tomé, entonces, te cambia es en todos los sentidos, cambia el discurso, la manera en que uno se puede vincular a la imagen.
Con esa apertura que hablas, retomo lo de la preparación del espagueti, y lo conecto con una declaración tuya donde comentabas que había una carencia de cultura visual en los fotógrafos. Entonces ¿Que define al fotógrafo? Yo sé que volvemos al tema de no clasificar y no definir. Pero ¿Un fotógrafo es el que mantiene el discurso a lo largo de los años?
Pues el que se sienta fotógrafo un niño de 9 años que toma su cámara, pues es fotógrafo. Mira, te voy a dar la respuesta para que te quedes tranquilo y puedas dormir bien Marcel.
La imprenta de Gutenberg hizo posible que todo el mundo tuviera una razón por la cual aprendiera a leer y a escribir sin que hubieran libros para que tuviera uno interés en aprender a leer y a escribir ¿de acuerdo? Antes los que sabían leer y escribir nada más eran los monjes, luego aparecieron los primeros libros con temas eclesiásticos pero al rato ya empezaron a decir: “a caray, con esto yo tengo unas ideas acerca de la vida” y de repente alguien escribe una idea filosófica y empezaron a compartir ideas y poco a poco la gente empezó a decir: “ahh pues que interesante” y así termina en cuentos y entonces, poco a poco fueron más y más gentes aprendiendo a leer y a escribir. Eso no impidió de que alguien dijera, “le voy a dejar un recado a mi esposa de que tiene que comprar tomates” y se lo dejo aquí escrito anotado. Luego a alguno se le ocurrió utilizar el lenguaje para hacer un contrato y luego etc etc. y así hoy en día nadie piensa dos veces que el lenguaje se usa para lo que uno quiera. ¿Que diferencia hay con las fotos? tomo una foto para recordar como te ves , tomo una foto para mandarle un recado a ella de que estas aquí, tomo una foto para hacerte una broma con los amigos y así. ¿por qué tiene que ser todo lo mismo? ¿por qué la fotografía tiene que ser nada más una?, ¿por qué no todo el mundo tiene derecho a aprender hacer imágenes como aprendimos a leer y a escribir? , lo que pasa es que somos una bola de analfabetos visuales incluyendo la mayoría de los fotógrafos.
Porque si tu crees que la mayoría de los fotógrafos saben lo que están haciendo, te diría yo que no. Un porcentaje muy alto de fotógrafos le dicen: ve ahí a tomar una foto de fulano de tal, no es que tienen elaborado un discurso determinado, hay quienes si y hay quienes no y hay quienes están en camino.
La promoción cultural y la difusión del arte fotográfico, no es nuevo en la vida de Pedro Meyer, desde los años 70 ha trabajado firmemente como fundador junto a otros colegas del Consejo Mexicano de Fotografía, la organización de los Coloquios Latinoamericanos de Fotografía. En 2007 crea la Fundación que lleva su nombre para educar y fomentar el estudio de la imagen en los jóvenes mexicanos y latinoamericanos, crea el portal web Zonezero, con el apoyo de la fundación Guggenhein y en este 2015 inaugura uno de sus sueños mas logrados y deseados, el FotoMuseo Cuatro Caminos. Y que llega justo cuando esta recargado de una energía increíble, con una experiencia fascinante que sobrepasa el medio fotográfico, y que busca constantemente estar al corriente de los desarrollos de la tecnología en el ámbito cultural. Hablar del Fotomuseo le enciende los ojos, hace que se acomode en el sofá, se acerca al borde y lo precisa a uno para trasmitirte cada idea cada detalle de esta obra.
¿Forma parte del corpus de la obra de un fotógrafo o de un artista, educar y promover ?
Pues si o no. es muy personal.
¿Para Pedro Meyer, la fundación, el museo, la página web forma parte de su obra como autor ?
Si, desde siempre, nunca he hecho otra cosa. Siempre he visto la fotografía como una herramienta, ojo, para empezar educándome a mi
El FotoMuseo Cuatro Caminos es tu proyecto mas laborioso y reciente, que promete convertirse en una referencia para el mundo de lo fotografía a nivel internacional, ¿cómo lo describiría, más allá de la idea de museo?
Yo estoy creando un Fotomuseo dedicado a la educación básicamente alrededor de la imagen, no de cierto tipo de imágenes, entonces, a ti se te antoja hacer retratos, bueno, a ti se te antoja hacer fotografía de comida y al otro se le antoja hacer fotografía de desnudos, etc. Todos válidos, si algunos quieren observar al mundo y otros informar, descubrir, no podemos encasillar a la fotografía como tampoco podemos encasillar el lenguaje y así como las lenguas van distintas de una cultura a otra, que crees, la imagen también. Esas pretensiones de una universalidad de la imagen fotográfica es una fantasía completa que ni pies ni cabeza tiene en el mundo contemporáneo.
El espacio que hoy ocupa el museo fue una fábrica de plástico que comencé con mi padre hace 60 años, al norte de la ciudad, en esa zona no había nada no había ni corriente, teléfonos, electricidad tampoco, ni calles, nada. Hoy pusieron el centro comercial más grande de la república mexicana, torres de oficinas, hoteles 5 estrellas, al otro lado de la calle estación del metro, una terminal de autobuses donde viene medio millón de personas, más de lo que hay en muchas ciudades, entonces, imagínate todo lo que hay a un lado del museo, imagínate lo que va haber ahí. La gente puede llegar y puede estacionarse, tiene restaurant, cafetería. Todo eso es tan importante como la fotografía misma, porque la cuestión es que la gente va a socializar no nada más es a ver una obra y eso lo conecta mejor con la obra o con la fotografía, es una experiencia. Vamos a tener toda una serie de elementos que hagan que cuando tu vayas tengas una experiencia y tu quieras regresar 14 veces. No es algo en donde vas una vez y te agotó, vas por una conferencia o a tomar un curso o a ver una película, un concierto, a ver una exposición, vas a comer con tus amigos, vas a ir hasta cinco de esas cosas al mismo tiempo o exclusivamente
Y mientras él me habla yo lo fotografío y mientras yo le pregunto el me fotografía. Así convertimos en imagen lo que fue esta conversación, cada uno lo subió a sus respectivas redes sociales y nuestros conocidos se enteraron de nuestro encuentro. Una metafotografía, la imagen dentro de la imagen. El plano y el contraplano.
Se nos fue la tarde hablando de fotografía, tecnología y el Fotomuseo. Y no es que no había nada más por conversar, quedarán muchos temas pendientes para otras oportunidades. Luego de más de dos horas de conversación, nos guió hasta la puerta de salida, y con un abrazo incluido nos despedimos para seguir en contacto.
Decir Pedro Meyer en cualquier parte del mundo, es hablar de la fotografía en si misma, son sinónimos. Él ha recorrido su vida al lado de un oficio que lo colma en todos los sentidos, ya no se puede desprender de él, en sus ya largos años de vida, el arte fotográfico sigue copando todos sus pensamientos, ideas e iniciativas, que van más allá de un click. Meyer entiende la fotografía como un todo, capturar, imaginar, crear, exhibir, publicar, difundir, educar y promover.
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Coletivo Nação (Bra), Colectivos de fotografía en Latinoamérica (IV)
Coletivo Nação se formó en febrero de 2015 por 13 fotógrafos y documentalistas de siete estados de Brasil con el objetivo de registrar las idiosincrasias del país. Está compuesto por los fotógrafos Alexandre Urch, Alejandro Zambrana, Raphael Alves, Robert Coelho, Rodrigo Sena, José Bezerra, Ike Bittencourt, Lucas Jatobá, Renato Riani, Giovanna Consentini, Filipe Mendes, Leonardo Savaris e Tiago Henrique y el curador del grupo, Ezra Santos.
Su núcleo de trabajo esta São Paulo pero sus participantes están repartidos por Brasil:
La idea del Colectivo nació cuando Tiago Henrique empezó un viaje por las regiones sudeste y nordeste haciendo fotos de trabajadores que se arriesgaban en vehículos clandestinos, viajando más de 5000 km entre São Paulo y Pernambuco. Al darse cuenta de la diversidad cultural que se encontraba por el camino, decidió invitar, por las redes sociales, amigos que ya eran conocidos por registrar en fotos sus propias regiones.
Brasil tiene proporciones continentales, es natural que haya una gran diversidad cultural (regionalista). "Sabemos que hay trabajos anteriores al nuestro que tratan del tema, pero nuestro enfoque es diferente. La sociedad brasileña, en general, todavía tiene prejuicio en relación a las personas de otras regiones. Los brasileños se maltratan entre sí por no conocerse el suficiente (y por no identificarse como iguales) Son comunes los tópicos, “los cariocas son unos vagos”, “los paulistas son unos pedantes”, “los baianos son unos perezosos”, por ejemplo. Ese tipo de estereotipo es muy diseminado entre la gente y principalmente reforzado por los programas de humor difundidos por la tele."
Para el Colectivo Nação, Brasil es un país dividido entre Norte y Sur, dos regiones económicamente dispares y que no se reconocen entre si. Por lo que consideran que existe un largo camino a recorrer para que ambos sectores se identifiquen como un sólo país, un mismo bloque social.
"Por eso nosotros, del Coletivo Nação queremos contribuir para una mayor comprensión del Brasil a través de la producción de informes visuales independientes, de interés nacional e internacional, que puedan estimular el cambio social positivo, mostrando que a pesar de todas las diferencias de acento, cultura, comportamiento, tradiciones, todavía hacemos parte de un único país. Y que todas las diferencias deben servir para valorar el individuo y no discriminarlo como es corriente hoy en día".
Para la ejecución de sus proyectos, el colectivo, se vale de la imagen, mediante el video y la fotografía, para resaltar temas como, la lucha por los derechos humanos, la justicia social, preservación de la cultura y valorización de los pueblos tradicionales y la organización civil y política en las grandes metrópolis brasileñas.
"Actuamos como un Rizoma, donde las conexiones no siguen un principio de causa y efecto, sin embargo, las ligaciones y la forma como ellas se modifican, a partir del contacto, es determinada por la interacción entre los puntos. La heterogeneidad permite que ocurra una conexión de un punto cualquiera con otros sin que esas ligaciones remitan las mismas naturalezas. Por tanto, o principio de multiplicidad permite que cada miembro actúe independientemente sin salir del rizoma, lo que nos da la libertad de combinar, no solo proyecto individuales sino colectivos, realizados por miembros de una misma región o de regiones diferentes de Brasil."
Desde un inicio desarrollan sus proyectos con recursos propios, sin financiamiento externo. realizan talleres de fotoperiodismo y producción audiovisual en Manaus, Amazonas, Rio Grande do Norte y São Paulo. También hubo una palestra realizada en una universidad federal de Bolivia.
De los proyectos documentales que están en curso tienen “Mundo Nuevo”, que aborda el cotidiano y las dificultades - de la comunidad descendiente de esclavos del mismo nombre (Mundo Novo), pueblo de la ciudad de Buíque, en Pernambuco, nordeste de Brasil – en conseguir la homologación de sus tierras, además de los intentos de reafirmación de su identidad. Parte de ese trabajo fue expuesto en el “3º Salão de Outono da América Latina” en el Memorial da América Latina en São Paulo, en mayo de este año.
El Coletivo Nação tiene un trabajo bastante amplio,buscan acercarse a las comunidades y a los movimientos sociales de las grandes capitales de Brasil. Su intención es abordar cada historia de forma diferente de los grandes medios de comunicación, valorizando el sujeto y la libertad de expresión de cada integrante del grupo que se siente libre y con ganas de contar la historia de su forma. Lo que les brinda, según ellos, la oportunidad de tener un trabajo que les permite publicar en revistas, en las primeras paginas de un periódico, o exponer en las galerías de arte, sin salir del tema al cual queremos hablar.
Más del trabajo de este colectivo
Si les interesa conocer más, sigan el blog: medium.com/@coletivonacao
Y en las redes sociales
Instagram: @coletivonacao
Facebook: www.facebook.com/ColetivoNacao
Manifiesto (Arg), Colectivos de fotografía en Latinoamérica (III)
Revisando el material del Colectivo argentino Manifiesto, tenemos que resaltar nuevamente el pensamiento del historiador estadounidense Alan Moore: “Los colectivos no sirven comida fácil de digerir." Y es que las imágenes de esta agrupación son directas, sin cortapisas.
Colectivo Manifiesto nace en Córdoba, Argentina en el año 2013, luego de coincidir, sus fundadores, en los reclamos estudiantiles o de las luchas por la tierra y la vivienda, en las fiestas populares de los barrios, en la resistencia a los abusos de poder de las grandes multinacionales o del poder del gobierno de turno. En otras palabras, Manifiesto nace en la calle, en la cruda batalla de la calle y los que luchan en ella.
Convencidos de que la diversidad enriquece y alimenta sus ideas y miradas, Manifiesto esta formado por profesionales de varias ramas del humanismo. Del cine, el diseño, la literatura, la arquitectura, la comunicación social, hilados todos con la fotografía como medio de expresión."Nos organizamos de manera independiente y horizontal, basándonos en acuerdos tanto estéticos como políticos. Queremos romper la soledad del artista y ser una voz colectiva y rebelde."
"Cuestionamos nuestro rol como fotógrafos y fotógrafas, comprometidas con la realidad social y política." El trabajo de Manifiesto se enfoca en los hechos, documentan esta realidad cambiante que se vive en las calles argentinas y latinoamericanas para darle visibilidad a las luchas que se plantan todos los días en diferentes frentes. Ellos no voltean la mirada, se involucran.
Formado por : Matías Arriola Silva, Ezequiel J. Luque, Martín Villarroel Borgna, Diana Segado, Fernando Facchin, Marcos Rostagno, Mar Sanchez Rial, Santiago Rocchietti y Pablo Becerra, aquí les presentamos parte de sus trabajos.
Limafotolibre (Perú), Colectivos de fotografía en Latinoamérica (II)
Siguiendo con nuestra serie de colectivos de fotografía en Latinoamérica, en esta oportunidad conversamos con Limafotolibre. Colectivo que utiliza a la ciudad de Lima como laboratorio visual para proyectos de experimentación multimedia y a su vez como espacio de exposición mediante intervenciones fotográficas.
José Vidal (OE), Clemente Gaillard (Petituars), Bruno guerra (Tunchi) y Pool Olortiga (Fokus) son los cuatro amigos, limeños y fotógrafos que desde 2006 se han tomado a la capital peruana, como eje principal de su trabajo visual, tanto para fotografiarla como para exhibir o intervenir en sus espacios. El colectivo se formó en diciembre del 2006, cuando por primera vez exhibieron su trabajo, pegando fotografías en la pared de una de las galerías comerciales de la ciudad. "El trabajo que hacemos mayormente es fotografía callejera, desde lo cotidiano y situacional. Pero también realizamos proyectos multimedia, utilizamos video y combinamos los formatos"
Las fotografías de este colectivo son crudas, sin filtros, lejos de idealizar la urbe, la desmitifican con imágenes que posiblemente todos los limeños ven diariamente, pero que la velocidad de la ciudad no les permite percatarse de todo lo que sucede a su alrededor. Limafotolibre captura esas situaciones, esos lugares, como guardianes de lo doméstico, de la realidad pasajera, sin ornamentaciones estéticas.
Este colectivo ya va para sus diez años creando un archivo visual urbano de Lima, pero aparte de las exposiciones e intervenciones fotográficas, se han dedicado también a impartir talleres de fotografía especializada en foto pinhole, foto callejera y autoedición de fotolibros. Han editado varios libros y tienen en sus planes seguir editandolos, pues para ellos es importante que quede la obra en papel.
Sus fotografías e intervenciones callejeras han sido presentadas en encuentros de fotografía y festivales internacionales en Brasil, Argentina y Suiza. En 2014 tuvieron una destacada participación en la II Bienal de Fotografía de Lima.
Limafotolibre es un colectivo autogestionado. Gracias a sus talleres y las ventas de sus publicaciones pueden sustentar varias de sus actividades.
Aquí parte de su trabajo
Puedes ver más de este colectivo en www.limafotolibre.com/
Las Niñas (Chile), Colectivos de fotografía en Latinoamérica (I)
Compartir ideas, emociones y acciones, son las principales características de un colectivo, y la fotografía es una buena herramienta para juntarse y generar proyectos, discursos, imágenes, que generen piquiña, escozor, en las estructuras convencionales del arte. Según el historiador norteamericano, Alan Moore, "Los colectivos no sirven comida fácil de digerir. Nos inspiran hacia aquello que es posible, y hacen propaganda por otro mundo. A través de este trabajo grupal, los artistas están reafirmando y reinventando un rol público y social del arte."
Y dentro de los movimientos urbanos, esta surgiendo esta nueva raza de colectivos cuya herramienta es una cámara fotográfica, que recuerdan un poco el boom de los grafiteros en los 80. Su leimotiv es la calle, lo que sucede afuera de los talleres, laboratorios, de las ideas y emociones intimistas o preocupaciones de un autor como individuo. El hecho colectivo es hablar con imágenes desde la calle y desde la gente. Es alzar la voz un poco más fuerte, lanzar un mensaje.
Hemos conectado con varios de esos colectivos fotográficos en Latinoamérica y les hemos pedido que nos cuenten sus ideas, sus proyectos y compartan su trabajo fotográfico. Y, para ser francos, en medio de este devenir actual de ideas sobre la fotografía, sus temas y discursos, estos colectivos la tienen muy clara. Tiene temas que van desde graves problemas sociales, hasta los temas formales de la fotografía: Resolver como llevar éstas ideas al público, mediante encuentros, publicaciones editoriales autofinanciadas, exhibiciones y por supuesto educación.
En esta primera etapa, presentaremos 8 colectivos de Argentina, Chile, Perú y Brasil. y comenzamos con el Colectivo Las Niñas, agrupación que nace en 2012 en Santiago de Chile de la mano de Jocelyne Rodríguez, Macarena Peñaloza, Marcela Bruna y Pilar Díaz.
El colectivo surge con la finalidad de crear espacios donde hablar sobre fotografía, y a la vez desarrollar proyectos fotográficos. "Nos interesa como colectivo, generar un espacio de reflexión respecto a la posición histórica y actual que ocupa la mujer en la fotografía en Chile, y a la vez dar visibilidad a los trabajos que se están generando"
Con sus proyectos " 8760` " y " Cromosoma X " , han participado en varias exposiciones, festivales y encuentros de fotografía tanto en Chile, como en Argentina, Brasil y Bolivia. Recibieron Mención Honrosa en el Festival Internacional de Fotografía de Cabo Verde/África 2014.
Además de realizar proyectos fotográficos, como colectivo gestionan actividades culturales en pro de la difusión de la fotografía. En 2013 crearon el primer Encuentro de Mujeres Fotógrafas FOCOM, que se repitió a comienzos de este 2015 y espera su tercera edición en 2017. "Este encuentro nace de la iniciativa e ímpetu de fotógrafas que creyendo en un proyecto de largo aliento, de nuevas y múltiples alianzas; descentralizando información y motivando a nuevas generaciones en la producción de obras que pongan en discusión demandas sociales y políticas a través de la imagen, como documento movilizador de cambios. Es dar visibilidad al trabajo y producción de profesionales mujeres de la fotografía. La propuesta es generar un espacio de presentación, análisis y discusión sobre el trabajo de fotógrafas nacionales, internacionales, sus temáticas y visualidades a partir de la producción fotográfica."
Las actividades del Colectivo Las niñas son autogestionadas, recibiendo apoyos puntuales en la producción de FOCOM.
Les invitamos a ver parte del trabajo de este colectivo en www.colectivolasninas.com
Aquí una galería con parte de su trabajo CROMOSOMA X:
A través del proyecto “Cromosoma X”, colectivo Las Niñas,problematiza el ser mujer desde distintas experiencias y registros. El cuerpo femenino, se ha configurado históricamente como un espacio privilegiado para la inscripción cultural, marcado por los distintos escenarios y contextos que lo rodean. La presente propuesta se constituye en relación a una doble dimensión: problematizar el cuerpo de las mujeres como un espacio de opresión, pero también como zona de memoria e íntima cotidianeidad.